宣言

是先看过装置艺术再去看电影的。

美术馆的解说和小册子以及十三个屏幕的放置、独立短片之间的联系和区别，这些一起构成了一件展品。

然而电影把顺序打乱，虽然通过剪辑把相似的艺术流派放在一起，但正如序章所说，艺术不应该仅仅是说教。

而电影正好把十二个独立短片各自营造出来的氛围环境完全破坏掉，使片子变得十分的不完整，难以沉浸在其中而且晦涩难懂，全片看下来留在脑子里的只有凯特的精湛演技。

展览给四星，电影二星不能再多了，其中有一星还是给凯特女王的。

个人最喜欢激浪派，演技最高分给流浪汉和主持人那一组。

因为是凯特加一星，否则词汇量这么大的独白可能都看不下去。

具有很强的实验性，想起孟京辉也是爱用这样的音乐，解释名词的概念，全靠演员演技和台词功底撑起来的作品。

观众肯定没法认同这宣言，因为它就在做着自己所否认的事，可以认为导演是在呼吁艺术家做更多真诚、灵性的作品，批判那些为了赚钱，自命不凡，自己都不知所云的伪艺术家。

比起电影确实是适合放在展厅里的“影像垃圾”，但不妨作为一场行为艺术来看，比起没看下去的《歌声不绝》强很多，可以看出拍摄剪辑功力，观众看得懂，是一个比较完整的作品。

我理解的是每个角色的转换都代表着语境，有象征寓言意味，即这话的口吻放在这人在某时的场景很合适，但也不能否认是为了拯救电影冗长单调的内核。

就是不知道大魔王为什么要模仿印度口音有点好笑，以及那个捡破烂的直接演个疯女人就好了，声音实在是不符合老头。

有些台词还是很好的，尤其是字幕组翻译后。

（但是有什么关系呢，大魔王说的话=正确的话）

从戏院的走出来重新回归繁华的城市的那一刻，我不禁有些不习惯。

看完这部电影好似我又去了一趟欧洲（不确定电影的全部取景地，但是我很肯定有一幕是在Berlin前西德山上的那个观察台上拍的）。

电影叫Manifesto，本身就是对宣言的一种“宣言“。

作者对于各种art movement的理解和看法，我并不是非常认同，但是对于立场我和他的看法还是一致的：导演认为这个时代是被资本主义、工业化等过渡侵蚀的时代，处处渗透着腐朽颓败的气息：自然这就是现代艺术发展的基础，它不再因“模仿“而存在，从而脱胎于古典艺术（academy art）。

我之所以说不太认同导演的理解，并不是认为它说得不正确，而是我更倾向于从一个更宏观的角度、历史发展的前因后果来去理解一段艺术运动的宣言；而不是片面主观的将个人情绪添加到每一个艺术词汇上，如此我认为导演对这些“词汇“的理解肤浅的（literally)。

比如，葬礼上反社会反人性的致辞，导演认为是Dada，但是我个人认为是Neo-Dada；以及家庭晚饭前的祷告词这一段，有人说是Pop art（的确也说得通但不明显，我的认为pop art更应强调消费主义），然而我认为这段来表达conceptual art 也说得通（因为什么都可以是艺术啊）。

此外，我觉得其实逻辑和间接上可以做得更好（我就当这部电影是Video art的集结，但是“策展“不怎样）。

以上仅个人观点。

如果你问我从“艺术的角度“给电影打分的话，3星半（not a masterpiece)。

我也不知道为什么周末爆肝了整整四十八个小时之后，我要来看这么一部探寻后资本主义世界艺术的电影。

一个半小时里不断涌现的种种概念符号，我勉强算有所了解的只有第一个长镜头的trading desk, 里面貌似thomson reuters的系统，和墙上闪现的VOW3. 一人分饰十二角固然是很有趣，不过对艺术思潮毫无了解的文盲如我，可能确实食髓而无法知味吧…就起始和末尾的流浪汉的高呼而论，我是不大同意的。

宣判资本主义死亡的应当也只能是资本自身。

旧系统的崩塌和新系统的塑立是经济社会的每一个参与者，流浪汉、交易主管、产业工人、戏剧导演、酒鬼烟枪、商人，共同推动的。

艺术家，无论是哪一种艺术家，都没有能力来宣判一个时代的终止。

他们的在社会的diffusion中的身份都和其他每一个人一样。

唯一的区别在于，产业工人用双手表现自己的力量，艺术家利用作品制造呼声表现自己的力量。

仅此而已。

撇开艺术论点，十二个角色剪影式地展现了现代中产生活的众生相，和艺术观点对于每个人人生态度和日常生活的有意识或无意识的作用。

快速而精彩。

大部分的内容还是似懂非懂。

有机会二刷吧。

http://filmrise.com/Manifesto-Press/MANIFESTO%20Notes%203.28.17.pdf

出自加拿大一个名不见经传的一个导演，全片可以说是非常的有想法，达达宣言、道格马95宣言、未来主义宣言等等串联起来全片的情节。

90分钟的装置艺术展示丝毫不让饱看电影故意的人厌烦，妙在台词上。

在真实的场景之下，然后通过演员的演技，来把这些宣言然后先讲出来。

通过这样一个形式，真实的场景加上虚构的宣言宣布， 好似一个虚无的存在一样。

比如说在一个场景当中是一个墓地的场景，然后墓碑前就会有人上去宣读悼词，对逝者的一些感言什么的，他却用达达主义的宣言来代替了悼词，因为平时就像在电影里有这样的场景也是过场戏的情景，人们不会在意这些悼词的内容，然而他此时确弱化了整个的场景的仪式感，却将宣读的内容突出，因此让仪式本身变得极具讽刺意味，可以说是非常有意思的一个实验。

它新鲜的点主要在于让人第一次通过电影这种形式接触到这些前卫的绘画艺术设计艺术以及现代艺术史上一些比较重要的有影响力的思想。

这些思想第一次通过电影这种形式表现出来，还是非常让人震撼的。

在这在这之前应该没有能够让人产生联系的片子，据说是戈达尔之前拍过一部，也是类似于用宣言撑起全篇的样子，我觉得不会有这种力度。

你很难想象，如果不是凯特来主演这部片子的话，换一个演员来演的话，他会是什么样子？

也就是说这部片子的主演也只有凯特布兰切特这种级别的演员来表现的话，才会有他现在的这种力度，这种力量能够直接传达给观众，直接给传达给所有的人，这也就是为什么这部片子豆瓣评分高达7.9分的原因。

除了主角有强大的吸粉能力之外，这部片子在其他的硬件方面依然达到了一般作者达不到的一个美学的标准，包括他的整个画面构图，然后主体主要是突出人物，对场景的一些设计。

包括他整个对演员的化妆的要求，12个角色是12个不同的造型，尤其是那个流浪汉的造型，可以说是非常的磨人的一个造型了，对于演员的形象该是一个怎样的一个改造，怎样的一个颠覆？

看了之后你就会明白。

无奈的是的是我看的是一个插渣画质，也就是相当于流畅画质的一个版本，然后看了豆瓣里面的一些截图之后，那个对比真的是非常之大的，非常的让人伤心的一件事情。

【第五届德国电影节·宣言·2015】凯特·布兰切特1人饰13角的实验电影，大魔王化身13位二十世纪艺术家、活动家、导演，大声发表其彪炳青史的艺术宣言，囊括波普艺术、激浪艺术、达达主义、未来主义、道格玛95等，为艺术的本质及元本精神鼓噪呐喊。

它肯定是一部极具穿透性和话题性的艺术装置，但其对电影的贡献，除了可以称得上是凯特的个人妆容术+舞美置景等美服化道部门的春梦外，其余我均持严重保留态度。

此外，这些宣言在被吉姆·贾木许等大师发声之时，他们大多还是名不见经传的毛头小伙，及至凯特在片中奔走呼号时，这些宣言都已是名垂青史的百年经典了，这从根儿上给凯特这一连串角色的真诚打上问号。

看她穿梭在小学课堂上，假装以课堂提问、讲授和指导，向小学生们兜售道格马95宣言时，观众席发出一阵小型哄笑。

艺术宣言是艺术思想表述阐发，最多是艺术实践的战鼓和号角，几乎不可想象它脱离艺术本体独立存在的可能。

而这部电影偏偏做了这件怪事：请一张美丽绝伦、花样百出的烈焰红唇来扮演思想。

其结果不啻是在电影里贴大字报，用喊麦rap来秀台词功夫。

如果你是姬蒂 白蘭芝（Cate Blanchett）的粉絲，你會很喜歡電影《反藝術宣言》Manifesto，單是觀看她的形象和演技已叫人目瞪口呆值回票價。

如果你是藝術達人，通識不同時代不同媒體的前衛藝術和意識型態，你會看得很過癮。

但假如… 藝術嘅野，你識條鐵咩！

那麼朋友，你要小心，預備接受像巴黎鐵塔反轉再反轉的挑戰。

反藝術可以去得幾盡反得幾癲？

看《反藝術宣言》的經驗告訴你，就像精神分裂。

之前電影《思．裂》Split戲中主角Kevin擁有23種分裂的人格，互相制衡又互相影響著。

《反》有點像把「藝術」擬人化，透過女王白蘭芝 精彩的演譯12種分裂的人格，而角色在互相的在糾纏在變異。

其實白蘭芝 之前亦有過相類似的變奏演出，電影《七人一個卜戴倫》I'm Not There由六個不同年紀不同膚色的男女演員扮演卜戴倫，白蘭芝 是非一般有型的演譯了其中一個。

《七》點題的說出他(卜戴倫)不在這裡{I'm Not There}，他不是任何人，他就是每一個人。

德國裝置藝術家兼電影人朱利安 羅斯菲德（Julian Rosefeldt）看了《七》的影響後顯生了《反》的概念，到《反》的錄像裝置制作時自然邀請了白蘭芝在《反》更徹底的全盤一人演十二角的破格演出；《反》的宣言就是我(藝術)不在這裡，也不在那裡，我(藝術)就是每一個人。

當然在西方文化和意識形態中十二這數字有著特殊的意義，聖經中十二門徒(不同的人物、地位、職業)在耶穌升天後分散去世界各地向世人「宣講」福音。

這跟《反》片白蘭芝一人飾演不同年紀不同身份地位的十二角去「宣講」宣言有著微妙的關系，《反》成了新的藝術福音。

《反藝術宣言》回到最初，英文戲名《宣言》，是一件羅斯菲德的創作，十三個屏幕同步放映的錄像裝置藝術品，每個屏幕大約比兩個人還要高，同一空間同時播放著白蘭芝的十二個角色宣讀著不同先鋒藝術流派的宣言，觀者的感受應該比電影強烈和來得震撼。

無論在展覽或電影中，觀眾不用過份期待導演會透過白蘭芝讀出由五十多段二十世紀的宣言拼接出 十三段像文學又像詩的獨白能理解什麼是藝術，這不是順時序性介紹藝術史的電視節目，而是要從精神分裂的對白中去尋找意義，重要是偶而那句話那段影像突然的觸動你。

這正是後現代的表達方式，也是導演從裝置跳進電影的一個錄像異變性演奏；在展覽中觀眾可以是自主的觀看經驗，一個白蘭芝到另一個白蘭芝、那個白蘭芝開始看和重看都可以… 相反電影倒是導演控制了觀眾的自由，重新安排十二個白蘭芝十三段片互相剪接穿插；那麼電影中導演的重新安排，角式的先後和宣言的交插時序，倒成了電影媒體展現這作品的特殊意義。

《宣言》重要的不是宣言內容，這是一次口說宣言反宣言的藝術表達；重要的，也許是其表達形式和概念，當然還有女王白蘭芝十二個角癲倒性別身份角色社會地位非典型爆的演出。

我一直很好奇本片导演罗斯菲德与辛迪·舍曼的关系，因为他的太多想法和立意与舍曼最著名的作品系列太过相似。

综合看来，与一众艺术家型电影相比，这部作品十分中性，甚至通俗，他试图将他反宣言的综合体重新艺术化为一部“电影”，从而使作品和“宣言”本身孤立成凯特·布兰切特的表演录像。

选角对于本片来说，成也萧何败也萧何。

请世界上演技最上乘的大咖来坐台，是个“好想法”，但它的弊端也同样因为这个选角上的“想当然”而流于轻佻。

身为凯特的铁粉，单看着她的表演就足够津津有味，那真是表演的上乘艺术品，以至于我频频忘了幕后那个他究竟要干什么。

这是这个作品立意最佳的处理方案吗——拍成一部电影？

马修·巴尼此刻的大气、神秘与适度，充分凸显出来，他利用“电影”对“动作”的决定性优势极为恰当地将其转化为他“行为艺术”的升级优势。

而《宣言》却并没有将语言和文字重组为比行为艺术、声音艺术、文字艺术或者芭芭拉·克鲁格似的广告招贴艺术更为充满能量的阐述形态。

作为一位建筑出身的影像制作者他煞费苦心，也曾令我期待万分（音乐很赞），然而，从马克思说到道格玛95，如果说影片展现出了唯一具有凝固力的实体，那就是，艺术是做作。

7分/10

* 本文首发于 ELLEMAN 睿士，亦发表于深焦 DeepFocus。

本届圣丹斯首映单元里最具实验性的电影得数由德国艺术家朱利安·罗斯菲尔德执导、凯特布兰切特一人分饰十三角的《宣言》。

朱利安此前的作品多为在博物馆展出的装置艺术与短片，在圣丹斯放映前，《宣言》刚在纽约军械库公园大道上以装置作品的形式展出，13 面巨大的荧幕上跃动着截然不同的形象，从无家可归的流浪汉到酒吧里的朋克女郎到压抑的家庭主妇，不同的口音、不同的妆容、不同的衣着，都在凯特绝妙的表演中显得立体迷人，最后呈现的马赛克拼贴形式大杂烩则制造出强烈的视觉和音觉效果，产生巨大震撼力、冲击力和艺术感染力，使得观众沉浸其中。

在圣丹斯，《宣言》以传统电影长片的形式出现，影片摘取了二十世纪艺术家、活动家、导演提出的艺术宣言，涵盖波普艺术、激浪艺术、达达主义、未来主义、道格玛95等，试图探索艺术的本质及其元精神。

以独白或画外音形式出现，宣言表达了对精神根基的渴望，既然原创是虚假的命题，只有发自肺腑的宣言能使这一切凸显真实，这只是一项运动的开端，宣言发出之后，形形色色的个体前仆后继，为此献出自己的青春与热血。

影片兼具现代艺术的大胆气息，开头便是燃烧的烟火，在黑色幕布的映衬下显得格外热烈，瞬间将观众引入矛盾的境地，一个否定理性又渴望理性的状态。

在电影的层面上，《宣言》谈不上吸引人眼球，导演坦言，若不是凯特的出演，这部片子的影响力一定会大打折扣。

大量的语言堆砌和简单的片段叙事，很容易使观众分心，抽离的体验令人疲倦，激情澎湃的演讲亦导致听觉麻痹。

然而，影片的开拓性就足够伟大，全部取景于柏林，仅用了十二天的时间拍摄，在一个历史渊源复杂的大城市里寻找与多个思潮内核相符的场景，加以匹配角色与文本，项目本身就是一次艺术冒险，诠释着现代艺术的宣言。

通过角色对比制造的强烈冲突再次淡化了其电影性，《宣言》渴望引发对艺术本身的思考和讨论，渴望以全局的眼光包容万象，使得观众不禁发问：艺术是什么？

然而，对提问者最尊重的答案是缄默不语，正如导演说的，凯特不是发言人，而是宣言这一本体的化身，她没有代表什么，没有呼吁什么，因为那就是她。

有趣的是，影片选择了由一位女性来担任男性写出的宣言的化身。

尤记得去年大魔王凯特·布兰切特在《宣言》中一人分饰13角。

各大媒体都聚焦在她惊人的操作，却忘了真正的幕后“黑手”。

大家难道不好奇，连大魔王都想与其合作的导演，是何方神圣？

朱利安·罗斯菲德Julian Rosefeldt朱利安·罗斯菲德于1965年出生于德国慕尼黑，现生活工作于柏林。

有着影像艺术家，电影导演，美术学院教授等多重身份。

“艺高人胆大的德国获奖导演”，这是《宣言》香港电影海报上对他的定义。

我们绝不否认，轰动一时的《宣言》为他赢得了名声，但这也是他应得的。

Deep Gold，单屏电影，黑白，2013/ 2014算上90年代到现在，朱利安也已经有至少超过20部影像作品，还不包括摄影作品。

早期他制作了大量的16mm和35mm电影，多以影像装置形式展出。

The Shift, 2008他的作品有几个显著的特点，第一是全景多通道投影，屏幕巨多，并同时播放的沉浸式体验。

American Night, 5屏影像装置;彩色，声音; 2009第二是时常充斥着辛辣的讽刺幽默。

The Swap，2015第三是对自我深刻的反思，对当代社会深刻的反思。

Detonation Deutschland，1996沉浸式体验很好理解，他善于将电影投射到多块屏幕上，创造出一种类似全景的效果，把观众带入一个超现实的、戏剧般的世界，那里的居民被日常生活的结构和仪式所困。

The Shift, 2008

《宣言》

《宣言》是罗斯菲德最新的一部作品，有电影和影像装置两个版本。

去年《宣言》作为影像装置第一次来到中国，在上海昊美术馆首次展出，采用的方式便是用十三个屏幕同时播放，打破了他自己的记录。

昊美术馆展览现场 ©️昊美术馆《宣言》的创作灵感来源于罗斯菲德的一次观影，以及与布兰切特的相遇。

他很喜欢的一位电影导演托德·海恩斯，曾执导了一部纪念鲍勃·迪伦的传记片《我不在那儿》。

《我不在那儿》剧照，布兰切特饰演鲍勃片中多位演员饰演“不同”的鲍勃·迪伦，其中布兰切特正好是最后一位演鲍勃的。

他对这部电影多人分饰一角的表现形式和维度吸引，所以与布兰切特达成了合作。

“历史上的艺术宣言能否影响当今社会”，这是《宣言》对当代的提问。

《宣言》剧照《宣言》的剧本是罗斯菲德引用了20世纪的一些艺术家的发言，观点和宣言。

他认为这些宣言绝大部分仍符合当下实际，毫不过时。

这是一次对创作者的致敬，也是一次曾经的宣言能否适用于今的检验。

《宣言》剧照罗斯菲德通过从100多篇宣言中筛选出了60篇，并浓缩成13个文本，借由13个不同的社会阶层，不同教育水平下的职业身份表达出来，将艺术宣言引入日常生活，产生共鸣。

《宣言》剧照像在教师篇中便引用了贾木许的名言：“没有什么是原创的”。

布兰切特试验的老师对学生教育道：“你可以从任何地方窃取，那些与你的灵感有共鸣，或激发你想象力的地方…”颇有误人子弟之感，却有着辛辣的讽刺与幽默。

宣言，2016-2017 © James Ewing Photography, Park Avenue Armory《宣言》与其以往作品都不大一样。

《宣言》的话特多，但在他另外的作品里，人物往往是沉默寡言的，反而突出的是音效。

《交易》，《干涸之地》

In the Land of Drought,2017《干涸之地》拍摄于摩洛哥，片中工业部分取景于德国。

影片描绘的是一个未来世界，一队科学家来到了已经被人类搞得一团糟的地球，人类毁灭了自己的文明，古老的庙宇，宣言以及工业文明，连人类也销声匿迹。

科学家们身着白衣，对遗迹展开研究。

In the Land of Drought，单屏电影 2017©Roman März罗斯菲德一直很关注在现代社会和消费时代下心自由资本社会，如何塑造这颗星球和人类本身。

并将我们变成“愚蠢的消费者”。

他认为艺术家应该审视这些问题，来开阔观众的视角。

这也体现在他的很多作品里。

In the Land of Drought，单屏电影2017© Angela von Brill他从青少年便乐衷于电影。

在《交易》中，他专注于特定电影种类，探寻电影本身。

The Swap，2015他没受过专业的电影制作人训练，但他经常感叹于电影拍摄所呈现出的效果，如何在拍摄中及不同电影种类下营造某种氛围，创造出虚构现实和精神现实中的真实感。

The Swap，2017，昊美术馆，© Liu Feng另一方面，《交易》与《干涸之地》紧密的联系在一起。

它们都是探讨的都是当代社会问题。

它指问如今的一些货币交易，财产失控，以及银行存款不透明的情况。

现如今“交易”不断地发生，我们逐渐失去了对金钱的基本控制。

The Swap，2016 © Kruszewski

《小丑》，《愚人船》

American Night，2009他早期的作品，多是对于生命荒诞性的发问。

对于生命中的日常仪式，我们毫不怀疑，想当然地遵循，但我们审视自己如何度过自己的一天时，我们会发现，那是多么的戏剧和荒诞。

Clown，2005《小丑》讲述的就是一个小丑，没有观众，没有舞台，只有大自然和漫长的一天。

Clown，2017 昊美术馆© Liu Feng若隐若现的角色，可以被看作是生活日常荒诞的隐喻。

Detonation Deutschland，1996众所周知，德国有着悲剧性的历史。

罗斯菲德正好是二战结束20年后出生的一代，他们这代人不可避免地会提到这个问题，所以他早期经常创作具有自己文化认同和名族认同问题的作品。

The Ship of Fools,2007因此他经常尝试用不同的方式，来探索德意志民族对待历史的态度，所以在他的影像作品中，经常有一个多次出现的主题：一个人面对大自然，镜头向后运动，观众产生被自然淹没的感受，再直面这种自感渺小的美妙感情。

My home is a dark and cloud-hung land, 2011人类何其渺小，生命何其荒诞。

现在哪有人还会思考这些哲学问题呐，我们一直在接受，接受被安排，工作，接受观念，接受标准，一天结束了，大家就开始高举自由的酒杯，抱怨几句，最后再安慰自己，这就是生活。

当我们审视自己这一天的遭遇，就好像什么都没做般荒诞至极。

American Night，2009来一场说走就走的旅行几乎是不可能的事情，但稍作改变，只是你想与不想的问题。

「AME影说」第二期，便是一次不守规矩的放纵之旅，改变的机会放在这里，就看你想不想打破僵局了。

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AME影说 | 想要触摸现实，何不进行一次虚构的影像创作？

参考网址：朱利安·罗斯菲德官网https://www.julianrosefeldt.com/photo-works/—End—/素材图片来自网络//如有侵权联系删除/往期回顾：

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