神圣车行

两段情节：（第一段）导演在电影院后台睡觉。

（第二段）奥斯卡一天的工作是扮演9个不同的人：1.（昨日遗存任务）某金融从业者；2.乞讨老太；3.动作捕捉：4.狂人梅徳；5.父亲6.手风琴手7.杀死另一个自己，被刺伤8.（任务外）装作歹徒杀死银行家，负枪伤9.禁忌恋老人；10.（任务外）再叙旧情；11.某猩猩家庭。

最后，载奥斯卡的车开进“HOLY MOTORS”，车们开始交谈。

（但这总共是九个任务啊?也许8、9有一个任务是表演的，但到底是哪个?谁知道呢?）

回顾世界电影史，巴赞曾经对电影本体进行的讨论被如今好莱坞的技术主义美学所取代，电影真实美学的发展从一开始无声时代的影像运动姿态（完型心理学的引入）跨越式的进入到了跨媒介传播的时代。

影像不再独属于电影院，它拥有了更广阔的视域空间。

卡拉克斯想表达的是，如今绝大部分观众没有经过之前巴黎电影俱乐部的观影素质培养（彼时的电影作为一种重要的文化现象与运动存在），他们对电影院放映的电影内心主观存在着一般性的预设（来自好莱坞批量生产的浅显封闭的技术奇观代替了观众对默片当中动作姿态的迷恋），数码时代的技术杀死了胶片过去赋予的美学风格的多样性（当今影院放映影片类型的高度同质化；电影创作的原创性和独立性岌岌可危）。

拍摄工具愈发的“小型化”隐蔽了摄影机的主体地位，更加强大的摄录功能则模糊了真实生活与表演的界限。

在这里，与其说电影是一秒二十四格的真理，不如说生活不过是一天二十四小时的表演（颇具现代性的嘲弄与反思）。

如果《天堂电影院》是写给爱电影的情书，那么《神圣车行》就是写给爱电影的遗书。

吾爱，昔日庭园掠过的一眼光影，如今已是朝思暮想梦中不断的结构情节和结局；吾爱，初相识你黑白简朴仪器重，如今已被科技缠身电脑掌控借与神谕告诫众生；吾爱，初见你我还是少年强说愁，如今人到中年未能免俗却还常忆无忧轻狂年少；吾爱，人人都说你按剧本的美丽，只有我更爱你不拘一格海纳百川的气度与心胸。

我想从这个故事中得出一个结论，导演随即给了我另一种解释。

我以为它从科幻到公路片总有止境，最后又向荒诞的黑色幽默迈向一大步。

不同的人生在同一个人身上的演绎让这一日一夜奔波的无比讽刺，一个个无处安放的创意终于在这一部电影中绽放成花火，既点燃了情绪，又爆裂了剧情。

一个演员，完成扮演富翁、妪乞、怪兽、怪人美尔德、父亲、歌手、杀手、濒死老人、丈夫角色的任务后，载他的女司机开车回到了类似“好莱坞”名号的“神圣车行”，结束一天的奔波，而作为机器的汽车却忍不住开启了茶话会。

作为结束语的一声“阿门”，仿佛带着连耶稣都不放过的嚣张。

此等创意只有天才可以创造，庸才甚至连复制都做不到。

荒诞的让人想大笑，大笑后又要崩溃着擦眼泪。

所以全片看到在墓园里下水道怪人一边奔跑一边吃花的时候，竟然莫名其妙的觉得有亲切感。

吃花的人在行为异常的外表下一定会有他人难以理解的孤独。

美好是要掩藏起来保护还是释放出来摆布？

当他说着别人不懂的语言时让我想起小时候我也试图创造出自己的语言和文字，善于和自己相处的人大概和沉默的大多数比较都有些格格不入。

一个人究竟要多强大才能完美演绎多种不一样的人生而自己又不会崩溃？

男主角在饰演过老人死去之后虽然疲惫不堪，然而身体里的某种东西却苏醒了，那就是对待怀疑的态度，以真诚之名。

如果这是一个分不清谁在演戏何为现实的世界，那么电影、演员、剧本的存在意义又是什么？

曾经的爱人出现了半个小时又迅速离去，仿佛是一幕早就预谋好的电影场景，那么问题来了，他的真情实感在虚假中还能是真实的属性么？

披上了谎言外衣的真相还是真相么？

消匿不见的摄像头、神秘强大的制片人、完全在现实中发生的剧本、无所不在的观众，所有的矛头都指向了阴谋论，像是以奇幻的方式证明斯诺登的监听事实，而整个世界的恐惧、幸福、多样也都不过是一部电影。

这就是电影的极致，也是电影的末日，挚爱之人必将以诚恳的遗书悼念之。

而这九个故事由同一位演员的演绎，也可以衍伸出另类平等主义和虚无主义。

富翁可以曾经是乞丐、可能未来变成乞丐、可能他真实身份早是个乞丐；下水道怪人可能有个完美的家、可能在另一个世界濒死、可能正坐在某个角落怀疑世界的真伪性。

你既是你，你也是我，你也是他，你也是虚无，你是开始、过程和结果，你什么都不是。

电影院里的观众熟睡，电影院外的观众不知自己早已身处一部精彩绝伦的电影中。

究竟未来的社会需要什么，究竟机器和人谁更像机器、究竟电影里的故事是演戏还是真实？

我想这部电影会逼人发疯，但却是愉快的发疯。

《神圣车行》我决定打五颗星。

并不代表它与其他五星电影相同水准，而是在先锋电影这个范畴内拿到了满分。

一向反感没有完整故事情节的先锋电影，但我完全这部天才之作征服了，大开眼界。

臆想丰富，人物造型表演，想象力，制作水准都太棒了---除了看不懂，哪哪都真好。

正常流畅的故事里面穿插一些梦境，这是正确的，类似保罗索伦提诺。

全飘在梦境里不可取。

《资产阶级》虽然也怪异，但观众知道人物是做什么的，他们在干什么。

这部观众完全一头雾水的就不可取。

不能太闷或无声，令观众反感，至少要配乐。

鼻毛识别：在正确流程的基础上设置怪异的桥段。

动作捕捉：先锋片要足够吸引人眼球。

裁衣服遮头：表达再虚无的主题也是从细节微处入手，绝不会像烂片一样空落落。

每个造型都很有说服力，论一个演员形象可以有多百变。

“摄影机原来比我们还重，后来变得比我们的头还小，现在你根本看不到它们了。

”“没有什么能比目睹他人逝世更让我们有感生命鲜活了。

”“记住，有恨意的地方，必然会有爱意，雷雅，吃热的爱意啊。

”脱下黄色假短发，露出黑色长发，很美。

结尾的长镜头背影与歌。

一辆车中包含了多种人生，探究生命的多种可能性。

滚石不生苔。

读书笔记：影片开始会让人有无数疑问，这些问题会随着导演的节奏和有意代入被随之抛却在脑后，转而沉浸在影片无时无处带来的惊讶中。

卡拉克斯对这些逻辑问题不作任何解释，执拗的将人带到他的怪诞气氛里。

让人惊叹的是，这种完全不合理的怪诞行为，在卡拉克斯精准、规矩的镜头下呈现出再可信不过的真实感。

奥斯卡每次更换角色不久，观众就会产生对新角色的认可。

这种荒诞现实与片断真实碰撞的做法，只能让人叹服卡拉克斯的天才想象力和精湛的导演功力。

你可以将故事理解成为德尼·拉旺出演一个又一个角色，引发一段又一段人生。

并在表演中引发的困惑：真与假，自我的迷失。

一曲向演员生涯的致敬悲歌。

渗透着对整个表演史和其中的终极矛盾冲突的反复掂量。

一个人只能扮演自己，但又必须在不同的躯壳中。

表演是伟大的技巧和艺术，又是对自身灵魂最深层的消耗性折磨。

这个片子本身就像优秀的演员，穿梭在不同的人生和情绪，但自始至终忠实于内核不变。

这是我好多年来观影过程最愉悦的一部片了，瞠目结舌，卡拉克斯把自己的灵感和意识流表达到荧幕上的能力真是无人能及！

至于片子本身，其实就像他自己说的那样“不要问我为什么，我不善于回答问题，就像我没法解释我昨晚做爱为什么用某个姿势一样”。。。

呃我的理解是“人生就是一场戏”。

电影不死，只是渐次凋零这是一部元电影，一部关于演员的电影，一部关于电影的电影。

你可以在里面看到《八部半》，可以看到《楚门的世界》，可以看到《私人订制》，可以看到任何一部电影的影子，但又超越了这些电影。

里面的每一段戏，每一个人都可以看成是演员、电影、观众这些概念本身。

这样你才能看懂这部电影，才能真正理解导演表达的思想，真正得到情感的共鸣。

要想理解影片首先要理解影片的时代背景。

影片发生在遥远的未来，电影已死，取而代之的是每个人都可以提供剧本私人订制。

神圣车行是一个专门提供这种私人订制的机构。

拍摄采用一种类似针孔摄像头的不可见的摄像装备。

而电影演员作为一种已经消失的职业，只能被迫加入车行，为客户提供私人订制。

第二个任务中的DNA检测门锁和第三个任务中的墓碑上的网址都暗示了故事发生的时间。

所以影片中每个任务可以分成三个层次来理解：1.在电影中是发生在未来的一个私人订制的故事；2.对应了我们现在的一种电影形式；3.故事本身传达出的作者对演员和电影的思考。

开篇影片的开始，电影院在播放一段默片，观众们沉默着，好像睡着了。

导演扮演的睡眠者被惊醒，然后走进电影院。

在这个过程中，照镜子代表自我审判，暗示电影是为了表达导演的思想。

看向窗外灯光已经发光的鱼缸代表着电影是光影艺术。

导演的手变成钥匙打开了电影院后门代表着导演才是打开电影世界大门的钥匙。

导演进入电影院的门上写着“出口”，代表了电影的出路是默片，即回归电影的本源。

然后台下的观众对比不买账，昏昏欲睡。

这段可以理解为导演的私人订制，或者说整部电影都是导演的私人订制。

第0个任务第一个镜头是小女孩出现在圆形的窗户面前，窗户上是反射出的树木。

小女孩代表了观众，那个圆形的窗户代表了镜头。

这个故事很容易让人认为奥斯卡的身份其实是商人，但联系后文，很容易明白其实这是他昨天的最后一个任务。

这个故事对应着今天的一种电影元素，商业元素。

奥斯卡在电话里说：保镖已经不够用了，我们要制作自己的Caracal。

这是阿联酋本土自主研发的第一款手枪，代表了自我保护。

这里导演呼吁所有的电影人和观众一切联手保护电影的未来。

第1个任务第一个任务很简单，奥斯卡扮演一个老太太沿街乞讨，但是无人问津。

对应着电影里的贫民元素。

老奶奶喃喃自语：多年以来，我什么都看不到，出了石头和双脚，没人爱我，无家可归。

但我仍活着，我已经那么老了，我只怕永远死不了。

这是电影艺术的自白，暗示了电影的未来，无人问津，但却仍然苟延残喘。

第2个任务奥斯卡去一个电影工厂，拍摄了一个特效怪物电影。

对应的电影元素是se情和特效电影。

在奥斯卡进入之前有一个远景，我们可以看到他只是众多演员中的一个，而且这里不像是一个创造梦想的场所，更像是一个批量生产产品的工厂。

在这家工厂里奥斯卡先是自己拍摄了一段，又和一个女演员拍摄了一段激情戏。

整个过程，奥斯卡两次累的头晕，暗示了演员的现状，总是在超额完成表演任务。

拍摄采用了动作和表情捕捉。

最后通过数字合成到屏幕上形成怪物。

在这个过程中演员不露脸，演员这个概念彻底消亡，演员成为了拍摄的工具。

任务之间奥斯卡在车里吃盒饭。

敬业的演员都是在片场用餐，为了表演他们可以废寝忘食，为了拍摄牺牲自己的健康。

监控拍摄着外面的路况。

暗示着电影天生就应该带有记实属性。

第3个任务奥斯卡扮演了狂人梅德，这个角色是卡莱克斯导演的作品《东京！

》中的角色，代表了对电影现状的反抗。

首先奥斯卡穿过下水道，这和前面的隧道，代表着他穿越了时空，来到下一个故事的发生地。

暗示电影是一种时空艺术。

之后每一个任务之前，奥斯卡都要穿越隧道或者行驶很长一段路，作用于此相当，不做赘述。

下水道内出现的难民是这个故事发生时代的标志。

然后奥斯卡从下水道中出来，到了一个墓地，这里是电影的墓地。

有一个墓碑上写着“www.tobeornottobe.jr”，对应了莎士比亚那句“To be or not to be, is a question”，导演在思考电影的未来，生存还是毁灭，这是一个问题。

一个摄影史在反复喊着“美女”，一边拍摄着一个超级模特。

然后看到梅德之后，开始转过来拍他。

这里模特和梅德对应现代电影两个元素美女和怪咖，代表了现代电影一种视觉向上的倾向，只为了吸引观众的眼球。

所谓的“人文关怀”都是为了达到这一目的从而赚取票房的借口。

梅德咬掉助理的手指代表了导演对这种倾向的反抗。

接着梅德扛着模特来到下水道，抽着烟，吃掉了钱和模特的头发，然后把裙子改成面罩给她戴上。

模特看起来变成了一个阿拉伯女性，信仰着伊斯兰教。

面罩代表了信仰，导演在告诉我们，电影不应该只有钱（资本）和美女（视觉），更应该有一种信仰（思想）。

然后梅德脱掉所有衣服，躺在模特腿上，剧本，模特像妈妈一样唱起了摇篮曲。

这是导演的赤子之心，电影就是他的母亲，只有在母亲膝上，他才能安睡。

“当你醒来，将会拥有所有小马驹。

”这是电影的美好愿望，他希望一切只是个梦，一觉醒来，电影还会有光辉的未来。

第4个任务奥斯卡扮演了一位父亲去接他的女儿。

女儿刚刚参加完一个聚会，但因为她不受欢迎把自己全程关在了厕所里。

又因为自尊问题，向奥斯卡撒了慌。

这是现代电影里的亲情元素。

小女孩的经历对应着现在电影视觉至上的倾向：好看的倍受青睐，不好看的只能被丢弃在厕所。

同时也传达出作者的心情，他也曾经因为被丢弃，而伤害到了他的自尊。

离开时奥斯卡对小女孩说：做自己，走自己的路。

这是他的自勉，不要在意票房和别人的眼光，拍摄自己想拍的电影。

第5个任务幕间曲。

这应该是第5个任务，因为它出现在了任务书上。

它对应着现代电影的音乐元素。

故事发生在象征着信仰的教堂。

所有人在奥斯卡的带领下演奏着强劲有力的音乐。

电影就像音乐一样是很多人的信仰，他们也和导演一样想继续发展电影艺术，拯救电影。

导演并不孤单。

第6个任务奥斯卡扮演一个杀手去工厂暗杀一个男人，然后把他化妆成自己的模样，却不小心被他反杀。

对应了现代电影里的暴力元素。

被杀掉的西奥对他说：“这是个意外，亚历克斯，你知道我不是故意的。

”奥斯卡回答：“你应该故意不那么做才对，西奥。

”西奥、亚历克斯都是导演名字莱奥和姓卡莱克斯的谐音，其实都是代表导演本人，所以用一个演员扮演。

这里是导演的反省，他曾经为了票房而做出了随波逐流的行为，所以他要杀掉曾经犯错的自己。

但那个自己又将现在的自己反杀，这是他内心在电影艺术和票房中间的挣扎。

任务之间象征着资本的车行老板出现在车里。

他丑陋，脸上有一道疤。

他强硬，只允许自己提问题。

导演借助奥斯卡表达了对他的厌恶，甚至想要杀了他，这是导演对于资本的丑恶嘴脸的厌恶，一定意义上他们是电影之死的罪魁祸首。

奥斯卡说：“年轻的时候，摄影机比我还高，后来他们变得比我的头还小，如今在也看不到他们了。

”这里是奥斯卡作为演员对于摄影机的怀念，背后是导演对于电影艺术蓬勃发展的过去的怀念。

老板问：“是什么推动你继续坚持？

”奥斯卡：“演绎之美。

”“美只存在于观众的眼里，如果观众不在看了呢？

”演绎之美是演员的最高要求，但它需要观众的见证，而不能是演员孤芳自赏，正如电影艺术本身也依赖观众的欣赏。

如果有一天观众不在观看，那么演员就失去了存在的价值，电影也会走进坟墓。

监控中城市发出了夜光，暗示着电影是光影艺术。

第7个任务这里应该是第7个任务，不然任务数量好像不够。

对应的还是暴力元素。

奥斯卡愤怒的冲出车门，干掉了代表资本的银行家。

导演借助他实现了现实中无法完成的壮举，干掉资本。

汽车驶向的凯旋门代表了胜利。

但汽车却在穿过之前转弯，代表了资本不可战胜。

第8个任务奥斯卡扮演沃甘先生，在临死前和侄女见面。

这是现代电影常见的生离死别的桥段。

蕾雅在镜头前脱衣服，代表着女演员的现状，必须敢于面对镜头暴露自己的身体。

这里的垂暮的沃甘先生代表了电影本身，而蕾雅代表了观众和导演。

“最后的挣扎总是无害的。

生命结束之前人不是感觉好多了吗？

我本来害怕你会继续在这等下去。

”“我已经在这等了三天了，如果需要我会继续等下去。

”“我想有一天你会来，但是我又不确定。

那么漫长的人生旅程。

你当时就像个天使，守在我的病床边，死亡天使是最美丽的天使。

”这一段蕾雅都扮演着观众的角色，她真心爱着电影，愿意一直等下去，不希望电影就此消亡。

而对于电影来说，观众就是天使，见证着他消亡的天使。

“我当时期待的不是死亡，是这样属于我们两人的瞬间，并不是死亡。

”“当时的你对我来说多重要啊，你为我付出了那么多，你曾是我的全部。

我情愿死去，也不愿失去你。

“我会留在你心中。

”“是你让我富有，我拥有的一切都是你给的。

”“我怕亲手毁了你。

你曾经被惩罚过。

”“是的我被惩罚过。

”“我什么也不想知道，什么也不去想，只要在此刻在多陪你一会儿。

你只需要知道我在你身边，而我爱你。

”蕾雅的身份逐渐从观众过度到导演。

这一段表达了卡莱克斯导演对于电影深沉的爱，不想看他消亡，愿意用自己的生命换取他的未来。

表演结束，扮演蕾雅的演员一直没有走出来。

这里暗示着演员常常因为工作关系而无法区分现实和戏剧。

任务之间奥斯卡因为任务着凉，再次说明敬业的演员会因为电影牺牲健康。

奥斯卡睡着，监控中的画面变得模糊，成了一幅印象派画卷。

再次说明电影是光影艺术。

与前女友相遇奥斯卡和前女友在萨玛丽丹百货公司偶遇，这家著名的百货公司已经被废弃多年。

两个人年轻时候都是演员，后来分手，再相见已是二十年后。

两人决定用二十分钟弥补这二十年的遗憾。

百货公司里面有很多破损模特和摄影机，模特代表着演员，摄影机代表了导演，暗示着电影已经像这栋百货大楼一样被废弃，导演和演员都成为了过去。

前女友唱了一首歌：我们曾是谁？

我们后来成了谁？

我们会是谁？

我们那时是怎样的两个人？

如果当时做出不一样的选择，结果会不会不同？

我们曾经有一个孩子，我们叫她……后来我们各奔东西，各自飘零在天涯海角，爱变成了洪水猛兽，我们不能再见。

没有重头来过的机会。

这首歌代表了两人的过去，两人以前都是电影演员，在沉醉于表演的过程中，逐渐分不清电影和现实，最终导致这场感情被耽误。

两个人曾经有个孩子，她应该叫做电影。

最后一句也说明这场感情已经无法弥补，没有重新来过的机会。

这是演员的悲剧。

最后奥斯卡对前女友说：“时间跟我们作对，我跟他最好不要相见。

”然后转身离开，和二十年前相同，再次各奔东西。

然后前女友穿着空姐的衣服跳楼身亡，奥斯卡失声痛哭。

但是这里已经无法分清前女友是因为分别而跳楼，还是因为任务而跳楼。

奥斯卡明知道一切都会因为任务结束而归零，却仍然控制不住哭泣。

演员表演的最高境界，已经彻底模糊了电影和现实的边界。

另一个任务之间监控里面出现了红外线热成像画面，暗示着电影是光影艺术。

奥斯卡唱了一首歌：结局将至，我们终将面对。

电影的结局即将到来，我们注定会见证他的消亡。

奥斯卡梦到了那部默片，代表了导演对电影原初的怀念。

第9个任务最后一个任务和昨天的最后一个任务相同，他来到了车行安排好的所谓的他的家，只不过这次家人只有两个猩猩。

演员的工作进一步将现实和电影模糊，以至于他失去了自己的真实生活。

“我们想重头再来一遍，我们想再走一次一模一样的生活之路。

或许再重新经历那些伟大的时刻，触碰那些不再有的瞬间，现在还不是休息的时候，应该要在做一次我们爱做的事。

我们以为到了中午，但却已日暮时分。

不，这一切都不可能。

”这是奥斯卡的内心写照，他因为演绎失业而忽略了自己真正得生活。

当他暮然回首，已经走到暮年，他焕发出一种重头来过的渴望，但他明白人生不能重来。

同时这也是导演对于电影的历史的惋惜。

他希望电影可以重新来过，重新不断取得新的成就，大家都以为电影正值黄金期，他的生命却步入了尾声。

但导演也明白一切徒劳无功，历史的进程无法逆转。

尾声最后回到了神圣车行，它的英文是“Holy motors”，暗指好莱坞“Hollywood”，所以主角的名字叫做奥斯卡。

所有的车代表了它的制片厂，一个个都是生产电影的机器，在这种制度下电影成了量产的产品，这是电影衰落的一个重要因素。

最后所有车辆开始疯狂讨论：我们要成为淘汰品了，人们不再需要可视机械（电影）不要再看到任何机械动作。

暗示了电影注定走向没落，因为观众开始不再只需要观看，他们要身临其境，要参与其中。

最后一句“阿们”，是卡莱克斯导演对电影未来发出的祈祷。

文/caesarphoenix电影从诞生到崭露头角到如今的无所不在，不同的人对它总是寄予不同的希望和期待。

而这些希望和期待又总是互相牵扯影响。

《神圣车行》当然涉及很多领域，比如对电影业的反思、媒体对人的异化等等，我这里仅就其中的科幻元素推演一下它的设定。

1.影片开头展示了一个仪式感极强的“看”电影场景，电影向来被视为白日梦，而银幕上影像则是观众梦境的投射，或者说银幕是通往梦境的大门。

但在本片中梦境已不是比喻，看电影不再需要通过视网膜成像，而是和梦、记忆一样直接作用于视觉中枢、大脑皮层，闭上眼睛沉醉其中，这就是未来电影的魅力。

影片在开始（剧场）、幕间休息、结尾都出现了一个裸体男子的黑白作旧影像（有抖动、白点、划痕），这是导演试图模拟出观众所“看”到的影像，因为在梦中影像总是模糊暧昧多义，却又直达心灵深处的。

2.影片主人公奥斯卡是一名电影演员，本片中的制片方式是每天让演员在车上熟悉剧本，每天完成若干任务。

影片中的十个任务，无非是十个场景，它们可能隶属于不同电影的分场景工作台本中（因为电影转向心理，拍摄全部自动化，分镜头可能已经不需要或由人工智能代为完成）。

一部电影的拍摄被完全的拆解，大制片厂（比如神圣车行）完全可以同时拍摄无数部电影，分场景工作台本只要一写好，各个场景就会被排入分配任务的表演流水线。

而演员们也只需要在每个任务（场景）中见面，专业性极强的他们几乎都能一条就过。

具体如下：出门和孩子打招呼是昨天最后一场戏结束，而房顶上那些人是为今天在这里演出的戏做准备。

今天的第一场戏在车中，是接银行家Serge电话的一场戏，约在Fouquet吃饭。

（被Celine称为误会的杀银行家那场戏就属于第一场戏的这部电影，奥斯卡本来没有这个任务）第二场乞讨直接利用路人做群众演员（其中可能也有真演员）。

第三场视觉捕捉是和一个女演员搭戏。

第四场“狂人梅德”是个大场景，女模特、摄影师、被咬指头的助理和很多群众都是演员。

第五场父女亲情戏。

第六场手风琴狂欢戏。

第七场中国工厂杀人戏，另一人也是演员。

（奥斯卡只知道一半的剧本，可能为了效果制片方没有告知他也会被捅。

制片和他谈话后，奥斯卡心中更加郁闷，所以去了第一场戏的所属电影的片场，做了一个不属于自己的任务）第八场酒店临终戏，讲述类似养父与养女间的暧昧情感。

第九场百货大厦（忆旧）情感音乐戏，这场戏比较特别的是两个演员本来就认识但多年不见，在这场戏中所演的角色也有着类似的经历。

（百货大厦拉卷帘门的是该剧组的工作人员）并且这场戏的女演员是两场连演，讲述剧中角色（女空姐）生命中的最后一天，和旧情人偶遇后，就和另一人（大概是现在的情人）一起坠楼身亡。

以上九场戏即所谓的九个任务，完成后午夜回“家”前Celine就把工钱发给奥斯卡了。

但我们会注意到在第九场结束后奥斯卡还看了一个标着10的剧本。

这说明每天的休息都成为最后一个表演任务。

表明整个演员群体已经形成了新的社会结构和生活方式，有大量固定的家庭（房子）是这种寄宿式表演的组成部分。

而母猩猩和小猩猩在这个表演语境中也只不过是这种内心电影的一个奇观。

（所以说实际上影片里有十一个表演场景，如果加上最初走出家门的那个就是十二个）这里面有两个问题：一、摄影机到底在哪里？

第五场结束后，制片人来到了车中，奥斯卡说年轻时摄影机比人还高，后来变得比头还小，现在只能用来怀念了。

科幻中常见的分子摄影机也许可以解释，但结合前面的直达大脑皮层的放映方式，那么摄影机更可能是直接在脑中，以主观视点/主观记忆的方式记录下每一个电影场景。

二、为何杀而不死？

在中国工厂杀人、杀银行家、女空姐带着个男人一起跳楼，都是鲜血淋漓的场景，但转瞬就都恢复如初，执行下一个任务。

其中的原理何在？

我们没有看到任何输血装置，即使医疗极大进步也可能解释不通。

这时结合最开头的导演困于小屋、观众闭幕沉醉，制片说的我曾经以为自己会死去。

可能得出的常规解释就是，缸中脑、赛博朋克、黑客帝国，但那样化妆又何必如此费力，视觉捕捉意义也就不大。

如果我们还是把这个世界理解为物理真实的，那么他们可能实现了纳米机器人级的医疗手术。

但跳楼之死依然让奥斯卡如此伤心（故事里是该空姐生命中最后一天），说明死亡可能依然无法避免，但应该可以克隆重生（克隆伦理已被广泛接受），否则大制片厂也很难吃得消。

3.车子的交谈，车在整部影片中直到最后才显露出其人工智能的一面。

而交谈中说到的去机械化，无疑意味着科技的又一次转向，对电影也将产生根本性影响。

而技术对生活、对电影的改变是整个近现代文明史和电影史反复印证的。

PS：至于女司机戴着面具离开，当然可能大有深意，但也可以简单的理解为开车的她，也是一名兼职演员，停车场戴面具也无非是一场戏。

这也是电影与生活合一，交融至难以区分的又一次强调。

而这个每个人都是演员的世界，观众是否还在观看便足以令人困扰和忧心。

而且还有了某种形而上的意味。

2013年6月21日晚在资料馆重看了此片，卡拉克斯导演亦在现场。

因为字幕等原因，这次重看后我发现原来的划分可能有一点错误。

正如回复中有人指出的，我这篇梳理是想将这部影片逻辑化，以合理的推断填充影片的罅隙，导演拍摄时不一定是这样想的（但这部影片相当精准，我相信其必然有整体性设计），关于影片的内涵阐释该是非常丰富的。

关于九个rendez-vous的订正（第十个是休息任务）：第一个是乞讨戏第二个是视觉捕捉暴力色情戏（对商业电影里的色情、暴力和当代数码技术的戏仿）第三个是狂人梅德第四个父女亲情戏第五个是手风琴戏第六个工厂杀人戏第七个是杀银行家第八个是酒店临终第九个旧情人重逢因为乞讨戏和视觉捕捉在片中都有明确信息表明是第一个和第二个任务，所以开始的车上打电话应该只是给杀银行家戏做铺垫，当然杀银行家这场到底是不是既定任务还是挺有争议的。

不过只要把突然要求停车、冲下去杀人（此时已经带了红色网洞面罩）都视为该任务的既定部分就可以理解了。

（司机其实在这里就参与了表演，包括后来旧情人重逢戏的撞车也是在参与表演）另外这场杀害银行家戏中、其他人慢动作拔枪等都是对枪战套路模仿，也可以作为此即是任务的佐证。

手风琴戏是幕间休息，是夹在影片当中的，和其他段落并不相连，但考虑到影片中每个任务都在玩混淆界限的游戏，将这个长镜头段落视为任务应是非常合适的。

另外争议比较大的可能是旧情人重逢戏，我认为这是场“反思做任务的生活到底让我们错过了什么”的戏，属于一部关于电影的电影。

（从撞车戏就已经开始了。

只有三十分钟，用二十分钟弥补二十年都是该片中台词。

因为这种扮演的生活已是常态，该世界的观众可以理解这种任务的间隙及其悲剧感）音乐及空间设计，奥斯卡和后来上来的男人都叫女人时名字都是珍，可能也是一个提示。

其他的任务都有明显的装扮转换，应该比较容易辨识，父女亲情戏中也谈到了任务太多，这处可能会使观众混淆，但和“旧情人重逢戏”对照就会发现这是一个人人都在做任务的世界。

人人都在演戏，“任务”是这个世界里的常态，也是该世界的电影所爱讨论的话题。

关于为什么不死，简单的话可以以电影道具特技来解释（就跟这部影片真实的拍摄方法一样），车间杀人戏中两人的服装都有出血装置，走出来的踉踉跄跄也只是表演。

情人重逢戏看到的尸体也不过是道具，悲伤的跳上车也只是这场戏的收尾。

PS：卡拉克斯导演说他创造了一个新世界，而进入新世界需要一点时间，祝好运。

《特立独行鬼才》导演Leos Carax（莱奥·卡拉克斯），被誉为法国电影界鬼才！

今年上海国际电影节，他也携片而来，况且据称中国第六代们都或多或少受到其影响，我就拿《Pola X》、《神圣车行》二部来了解下！

《Pola X》电影是根据美国作家赫尔曼·麦尔维尔(小说《白鲸》作者)的作品Pierre, ou les Ambiguites 改编的,Pola是小说法文名Pierre, ou les Ambiguities的简写,X表示这是剧本的第十个版本. 描述的是一位前法著名外交官之子，以小说创作为业，自然就变得“文学性”了！

在处理纷乱人世情感、杂物，往往也满是激情、愤慨或者冲动！

最后，冲动是魔鬼！

不仅可以带来机车倒地的伤痕，还可以带来亲人之痛，陷入貌似左翼势力漩涡的旋转，最后扳机扣动、终结了他人的生命，也毁灭了自己的青春！

至于说一些观众从片中体验到的“高尚精神体验”“潜意识”“边缘感”......因为没有看过文字原作，其实不是很好理解！

我个人从2个多小时的影片理解的是：无病呻吟！

片中的中国元素出现在餐馆，还附带二首中国歌曲呢！

《神圣车行（Holly Motors）》除了戈达尔，似乎很少有电影人有如此的勇气来质疑他们的观众。

《神圣车行》则表现出了电影人深切的焦虑，他们不知道是否还会有观众会来欣赏他们世界中的美。

片中的主人公，寄托了导演卡拉克斯对世界的领悟和暗喻。

主演达尼·勒旺在片中不断的化妆不断的进入另外的角色。

9个约会，9种生活和角色。

《神圣车行》完全超越了学院派或者惯常的叙事逻辑和线索，将卡拉克斯的导演天才再一次展露无疑。

全片表现特立独行，天马行空，每一分钟都给人以期待，每一分钟又都可能是惊喜。

不过，这样的试验作品，一定是很难逃两极分化的审判，本片也不例外。

我认为此片较《Pola X》出色地多，也现实意义更强！

人生如戏，戏又岂非人生！

没有显而易见的摄像机，但是每位观众就是摄像机！

片头镜头给了电影屏幕前的一群看客，即此意！

主演德尼·拉旺 Denis Lavant的演技，无可指摘了！

细微处，都很有表现。

他将一个单体的人，在不同时间段、不同外部环境下，扮演的、矫饰的社会角色，淋漓展现！

难道我们身边没有这种，一会是父亲、兼老板、下属、杀手、疯子、情人和告白者的综合人物吗？

每个具体的观众，自己在一生中，甚至一天中，都很难仅仅、只扮演一个单纯的角色！

这就是社会，这就是人类社会，这就是导演抽象化了的人类社会！

看似疯狂，实在真实！

恰似，本片最后一幕！

片中的中国元素出现在仓库凶杀中！

鬼才导演，确实有才！

双片，后一部，值得一看！

卡拉克斯是电影梦见自身的媒介——如梦一般无因果交代的、自由联想一般的能指链的转喻运作中，奥斯卡的身体仅仅作为表演艺术之理念得以现身的质料。

电影艺术为捕捉人类肢体行为而生，而动捕技术将人类肢体排除在外，可以直接捕捉行为。

这或许也是本片叙事上的诡计：只捕捉常规情节剧中的剧情节点，避免闪回等能够直接产生意义效果的诱惑，代之以前本体论的化装过程与作为叙事动力物质化呈现的轿车。

直接意义效果的缺失来自摄影机-观众这一意义保障目光的缺席，而这与其说是哀悼电影已死的现状，不如视为揭示了电影自诞生之日起就已然死去的事实——香港黑帮片段落中的奥斯卡-阿力克斯，其将一具（自己的）尸体乔装为自己的最后结果是恰恰是自己的死亡——电影永远是死的，因为观众永远只想看下一部，他们的凝视客体永远在下一部电影之中闪烁，并以此开启了电影生死更迭的淫荡旅程。

梅德先生被卡拉克斯称为自己身上污秽的一部分， 他具有孩童一般的妄为——他在以个人网址作为墓志铭的墓园里暴食作为文明象征的祭祀用花，如同口欲期的婴儿——与哥斯拉那样的毁灭性（《东京！

》），是电影以德尼拉旺之身奇观化自身的方式。

电影告诉我们该如何欲望（齐泽克语），欲望总是遭遇压抑，而梅德先生正是被压抑的自身的污秽之物在银幕上的返回。

断肢遍地的废弃商场中，奥斯卡遭遇到注定失败的爱情的回声，其与卡拉克斯早期作品的共振迫使抵抗意指效果的转喻链条都变得难以自控。

影院中的观众与车行中的轿车以实在界的凝视/声音欲以揭示电影早已死去的事实，卡拉克斯则将电影的断肢以其最强烈的个人经验缝合，以电影的自我否定催生否定后的新生，并借以应对自己的境遇。

电影是卡拉克斯梦见自身的方式。

很耳目一新的电影，没有矛盾，没有规定情景，甚至人物关系都是模糊不定的。

它探讨的是电影的可能性，是演员表演的无界限，电影和表演是美的，而这种美体现在观众的眼睛里。

没有明眼的观众，这种美还存在吗?

这真的是一个非常非常抽象又宏大的电影，有些电影只顾得上抽象，却让人反感，让人觉得匪夷所思，但神圣车行他给我一种非常清晰的指向，浓缩在一个世界里，也许我并不能解构完整，也不能明确说出，但在看的时候我会觉得导演有一个十分明确的轴，坚定，强大。

不同于之前看电影的时候，我会分析人物的动机和表演，那是基于“表演”而言。

我们都知道电影有剧本，他们是在演的，我们都知道，只是观众竭力去沉浸到故事里，去感受“精心制作的佳肴”，这是我们以往看电影的惯性，我们为看而看，为获取代入感而代入，心照不宣。

但神圣车行它好像穿过了第四堵墙，把一些东西打碎了。

看其他影评说它具有“元电影”的特质，我觉得说得太对了，像莫比乌斯环，兜兜转转总会回到原点。

摄影机缩小，场景的像素不时切换，演员精疲力竭，不停奔往下一场，会让人忍不住怀疑机械，怀疑情感，在虚幻和现实里彷徨。

这是一个抽象的电影，添加了很多典故，在人物情节里穿插“超链接”，在七个委托里，观众不知道是睁着眼还是闭着眼看完了故事，每个人可以在故事里找到自己想要的东西。

动人的情，泛红的眼，隐约的泪光，赤裸的性，一切都交杂。

让我想到，世界的本质就是一个大大的草台班子。

演着演着，就分不清是演还是累，是追求美学还是追求意义，在跑的过程中捕风，一切皆空。

Hollywood的隐喻我不懂，电影幕后拍摄我也不懂，但是在抽象和不可参透里去构想，就是神圣车行，每个人都是停靠的机械，都按需戴面具，都在飓风的中心狂舞。

电子高速发达，有时候似乎真的会忍不住让人思考一些意义，在通往游戏终点的路上，物理学闪帧成了神学。