风再起时

影片开始郭富城的口白说，我是故事的讲述者，也是故事中的人。

的确，我看完后第一感觉就是，这太像是一个人在自顾自的讲述自己的回忆录了。

香港的这段历史虽然大家大体知道，但导演的表现手法似乎对于观众的了解程度太过自信了。

整部电影就像是一个大的预告片，一个表象接着一个结果，但过程全然省略。

你不知道如何变成这样的，只是告诉你一开始是这样，然后是这样，最后是这样。

一个一个节点完全是断续的。

年终总结般的罗列结果，而忽略了剧情发展的逻辑关系。

磊乐刚出场是个希望给所有华人擦皮鞋的小兵，有心中的正义，不愿同流合污。

他是如何变成后面的五亿探长的，几乎没有描述，打个字幕变到60年代，演员变成郭富城，就开始从柜子里拿钱，或许时间本身就是原因，但对于电影来说这种表达有些偷懒。

南江的成长弧线也一样不甚了了。

选枪的心里动因，枪击渡海的心灵震撼，甘愿给大字不识一个的磊乐做丫鬟的真实想法。

梁朝伟依然魅力十足，但他和那个年轻人毫无关联。

甚至他对蔡真的感情从何而来？

他坐下弹琴不是为了让磊乐表现舞王风采么，这妥妥的僚机啊。

打牌一场戏，那个长得像师爷一样的人不长眼，戳穿了南江，南江气不过，亮了严洪的牌。

那对于严洪，南江是故意拉他来垫背，结果却因此变得和磊乐有隙，倒向南江，实在不可思议。

同样不可思议的是，在得知买凶杀蔡真的真凶是严洪后，磊乐居然还留他在身边，甚至在反腐风暴来临之前，叫他一起明智身退。

许冠文除了在开头出现了一下，基本上就是最后慷慨激昂的一番演讲了。

而这段演讲是针对贪腐，并不仅仅是针对磊乐，针对南江。

所以这个结尾几乎与个人命运无关，而是一个时代的大背景。

一下子让人明白，导演想说的是那个时代，而非时代里的某个人。

但空有野心，却无手段，表达时代并不是走马灯似的将所有节点逐一呈现，而应该是以小见大，见微知著，一叶知秋。

甚至与表现出来的相比，省略的才更能显示时代的无奈。

磊乐的转变，南江的心理，这才是时代对他们最深最大的影响。

观众看到的不应是他们的样子，而是他们为什么会变成这个样子。

这才是能从个人命运中看出大时代样貌的真正表达。

最后，这里我第一次觉得春夏是美的。

又无聊又装逼，空洞而无物。

整个故事主线极其模糊，恐怕连翁子光自己想表达什么都说不清，看海报以为是双雄片，开头放了几分钟以为是展现时代变迁的历史片，突然又变成了郭富城的磊乐枭雄片，拍着拍着磊乐就消失了，叙事视角又转到了梁朝伟的南江上，最后发现自己不知道讲了啥，强行让许冠文上价值。

电影语言上，好却又不好，摄影有讲究，但是过于讲究，仿佛导演摁着我们的头说:“快看快看！

我多会用技法。

”明明全片各种粗口台词床戏镜头乱飞，还要秀几句文艺字幕显得深沉，充斥着对王家卫的拙劣模仿。

演员上，郭富城四平八稳没啥可说。

梁朝伟不必多说，气质台词演技很稳很有味，与杜鹃红旗袍那段的分镜色调明显就是致敬花样年华。

杜鹃不想再说，全片面部表情都像是嘴里被硬塞了💩一样。

双雄黑警警匪三角爱情编年文艺片。

香港旧时代，四大探长时期，黑警收受黑钱，贪腐成风，民不聊生，犯罪猖獗。

四大探长控制了整个旧香港的社会治安状况，黑白两道只要交了钱，就可以为所欲为。

吕乐和南江两大探长相互斗法，争相上位，并与毒品、风月、走私等违法犯罪集团串通一气，将旧香港的社会治安搞得乌烟瘴气。

为了惩治腐败，英殖民政府成立廉政公署进行反贪，但是被腐败警察打砸抢，工作没有办法开展，关键时刻，廉署的首脑甩出了殖民英政府走后，香港社会应该何去何从的问题。

不过英政府最后还是没有发布通缉令，赦免了逃往海外的几大探长。

电影利用编年的形式，一段一段呈现旧香港的人文历史，阐述了四大探长的产生和发展史。

吕乐出生平民，一开始他十分憎恶警察的贪腐行为，不愿意收黑钱，结果被一帮贪腐的同僚殴打。

慢慢地他开始适应这样的生活，并在很看得起他的上司提携下，很快当上了总华探长的位置。

他春风得意，与一个富商的女儿相恋，并利用自己的舞技征服了富商的女儿，并拼命追求，两个人好在了一起。

南江是个射击天才，在警校就被教官认为是不世奇才，他凭借自己出色的智谋很快上位，成为了吕乐的左右手，他也喜欢富商的女儿，但是为了吕乐，他没有争，只是默默张望。

两个人，几乎控制了整个旧香港的社会，黑金也积聚增长。

声色犬马间，吕乐认识了一个十分像自己的初恋的风尘女子，吕乐的初恋在香港沦陷后，在死人堆里救出了吕乐，帮他养伤，最后被日本兵抓走，沦为慰安妇。

吕乐也被抓了起来，最后吕乐通过抢狱友的囚服，躲过了枪毙，逃了出来。

但是当抗战胜利，日本人逃走，吕乐的初恋已经被糟蹋成了残花败柳，还浑身是病，为了不连累吕乐，初恋自杀了。

吕乐遇到的风尘女子很像吕乐的初恋，吕乐一下子就爱上了。

但是富商的女儿很有手段，让这个风尘女子堕了胎，还毒死了她。

南江依靠他出色的头脑上位很快，吕乐因为风尘女子有点一蹶不振，开始自怨自艾，让英高层对他不满，南江趁机上位，势头很猛，这让两个人势如水火，终于爆发了枪战，两个人坐下来之后，吕乐才知道，南江一直维护着他，为他求情。

这时英高层感觉到贪腐太厉害，他们有点控制不住，就成立了廉政公署开始反贪。

吕乐感觉到压力，对旧香港的江湖也厌倦了，心爱的人也死了，他心灰意懒，决定和富商女儿一起去加拿大生活，逃开这个伤心地。

很快，南江也和老婆跑去外国隐居。

回想起两个人叱咤香港的光辉岁月，不禁嘘吁。

老郭的舞蹈依然风采不减当年。

老梁有点胖，头型让他有点油腻，但是叼起烟、眉目含情，温文尔雅地弹起钢琴，真心迷死人的感觉。

很喜欢双雄对决的质感，很有港风，但是总感觉差口气，应该是为了正确的缘故吧。

很多的黑化、不正确的应该都被隐去了。

很喜欢牌局的争斗，南江的心计一览无遗，吕乐的孤勇、莽撞和冲动也昭然若揭。

很喜欢两个人枪战后坐下来一起吃元宵，南江的算盘滴水不漏，真心厉害，老梁刻画地入木三分，真是了得。

还有就是最后的结局，当日的一代枭雄，也有没落之日。

当两鬓斑白，满脸皱纹，虽然雄心依旧，到垂垂老矣，只能感叹岁月的不羁。

当然还有许冠文的激情演说也很精彩，杜鹃的冷艳也很惊艳夺目……港味十足，就是感觉差了一点老港片的江湖气和感动，也许是正确的需要吧……有点可惜

本文首发于“半斤八两抡电影”公众号，作者：半斤错位剪辑影片开场，一系列看似乱序的紧张场面，有人逃离，有人追踪，有人仓皇，有人焦急，穿插着廉政公署四处出击的调查行动，直到梁朝伟饰演的探长出场，拜访廉政公署负责人，节奏才开始稳下来。

只称“探长”，而不称名道姓，显然是叙事安排。

接下来的黑白影像里，先出场的是青年磊乐，后出场的是青年南江。

此处观众只能凭借形象去猜度谁是将来的梁朝伟，却没有具体指向。

在开场的快节奏剪辑段落里，曾经有一处是廉政公署负责人的台词——大意是“五亿探长，一定要查到底……”，此处是惯用的悬念，让观众带着疑问去求索——“五亿探长”怎样了？

现在出现的“探长”又是谁？

这样做的目的，并非故布疑阵，因为梁朝伟饰演的角色早被影片宣发透底。

反而是，在这样一个开场的视听逻辑里，我们会在一开始就混淆两个人：黑白影像里的青年，谁都可能成为将来的“五亿探长”，谁也都可能成为只身闯廉政公署的“探长”。

通过视觉的、叙事的诡计，把两个人剪辑成一个，早在《无间道》第一部和第二部已有珠玉在前，用意在强调命运无常，两人各自走上无法选择的无间道，成为自己一开始要铲除的那类人，卧底数年，终于彼此莫辨。

《风再起时》的错位剪辑，并不是要强调个体的“莫辨”，而是指向群体的（阶级的）立场。

错位剪辑出现在开场，给整部电影的剪辑定了调，以两大探长的视角交错呈现香港的警界变迁，跨度近四十年。

这一剪辑思路显然不是为了突出“双雄”套路，导演的用意不在表面的戏剧性。

两大探长的冲突，被处理在了暗处，不可开交时，安排阿嫂走一趟就解开了，这是对传奇性的消解。

把两人写成一个群体，没有南江也就没有磊乐，所谓“五亿探长”在《风再起时》中指向的是两个人、甚至一代人。

他俩的时代，终结于廉政公署确立的时期，他们立下的规矩被新秩序取代，成为历史。

错位剪辑，以最为简略的手法，点出了两人殊途同归的抉择与命运，无论是手电筒里塞保护费，还是给英国警官擦鞋，无论是逃亡于大陆，还是被俘在香港，两个青年在影像中就是一个人，他们都代表了香港青年——不甘于环境的规训、反抗旧秩序的迫害、苟活在侵略者的脚下……他们没有主动选择的余地，只有委曲图存的挣扎。

只是，1970年代与廉署对峙的“探长”，已经成了他们曾经反抗的对象。

对抗廉署调查，固守旧秩序，“探长”的远遁是必然，他们是趋利自保的既得利益者，而不再是挣扎求生的普通人。

影片终局，以探长们的全身而退，盖上了时代之棺。

但同时，廉政公署虽败犹荣，在视听处理上彻底压过了旧秩序的垂暮豪杰。

李子超（许冠文饰演）的慷慨陈词，或许败给了港督的“既往不咎”，可是，他提出的公务员理想，经由一则新闻婉转实现。

这则新闻的见证者，是远遁北美的暮年老人——曾经的五亿探长磊乐。

而李子超的理想实现之地，则是曾经与香港一样饱受战争和殖民摧残的另一处所在。

可是，正如导演亲自阐述的，“写给香港的情书”毕竟还是情书，总也忍不住要给豪杰唱悲歌。

因此，影片最后一个段落，是不能忘记的生存信念——风中残烛般的磊乐，只有在吞咽水果的时候，才能想起自己曾经是残酷生存环境的幸存者，甚至是后来的生存法则的制定者。

此处的视听设计，以吃的本能唤醒生存本能的记忆，彼时黑白影像里的磊乐，从死人手上夺食，目光如虎。

“梅毒”的语境错位剪辑结束于抗战胜利，两个青年重归警队。

形象上过渡到梁朝伟和郭富城，经由战争摧残带来的沧桑感，弥合了演员与角色间的年龄差距。

这里值得注意的是，两人共同出现的第一场戏，也是彼此第一次相识的段落里，各自所操的语言——磊乐的潮州口音粤语和南江的标准英语——除了揭示两人的出身差距，还看似无意地埋了个伏笔。

当时，在磊乐夸张地向警局同仁汇报自己的英勇之后，南江镇定而幽默地对英国警官做简报，他讲了个荤段子，提到了一个词——“梅毒”。

这个潜藏在英语荤段子里的syphilis一词，逗笑了当时警局里所有的英国佬。

导演给了磊乐一个反应，他讪笑着，掩饰着自己根本不通英文的尴尬。

这一刻，两个未来的探长，高下立判。

用英文讲荤梗儿的从容，暗示了南江才是真正能与殖民当局沟通的人，也同时点名了将来真正定规矩的人是南江，而不是磊乐。

这是语言的壁垒，同时，也是语境的阶级落差。

这一“闲笔”就此搁下，直到磊乐扇了南江耳光之后，独自去夜总会消遣，遭遇舞女。

此处突兀地插入了一段黑白影像，交代出磊乐心底一直爱着一个女人——小榆。

因为磊乐当时的弱小，无力保护小榆，她就此被强占为慰安妇，沦为日军的泄欲工具。

抗战胜利后，小榆被救出，可是，因为磊乐的穷困，他只能眼睁睁看着小榆失去治疗机会惨死。

夺走小榆生命的，正是“梅毒”。

在医生口中说出的“梅毒”，呼应了南江用英文说的“梅毒”，此时彼时，同一词汇飘荡在不同的语境上空。

日军犯下的罪，成了英国殖民当局的笑料。

小榆的死，对磊乐而言是愧疚的烙印。

而在观众处，多了一层心疼——磊乐永远不知道，夺走他挚爱女人生命的死神般的词汇，就盘踞在他赖以为生的空间上空，成了南江的社交扶手。

磊乐不通英文，就永远不会知道“梅毒”一词也被他自己笑过。

影片中后段，两位探长言和，在理发店背向而坐，南江又抛新词——Human Resource，磊乐的反应已经不是讪笑，而是半嗔半笑地训南江拽洋文。

这里的“人力资源”，在彼时的殖民时代，是探长之间的势力划分，一句英文，重整了分裂的警界和黑社会的秩序。

磊乐的无知，南江的从容，都是那个时代的悲哀。

而更可悲的是，他俩虽同为受害者，却也有阶级的高下。

看上去，南江是磊乐的副手，其实英国的警界高层倚重的是南江。

这一设计被两次强调，一是磊乐刚刚成为探长时，行事高调，英国的警监暗地问南江的意见——是否要替换掉磊乐？

第二次，是南江和磊乐对立，矛盾激化到极点，蔡真私下找南江，问为何南江与磊乐作对？

南江复述了被警监询问的事实，洗清了自己，指明他一直保着磊乐，坏规矩的是磊乐夫妇。

这一段落有两层用意，一是强调南江对磊乐不存在个人恩怨；二是强调南江更得警界信任，他的出身、语言、行事风格，都更适合做殖民者的帮办。

在这一层面，杜鹃饰演的蔡真是另一个语境里的南江。

蔡真是苏州移民二代，出身暴发户，懂英文，会交际，有城府。

她替磊乐做脏活，暗地合作勾连的势力，同样都是外省势力。

14K的郭少帮主，跛豪夫妇，是蔡真用以牵制整个黑社会的左右手。

甚至她资助的剧团，也同样是混迹香港的漂泊客。

蔡真和这些人同在一个语境里，她们之间更容易沟通利用。

有人批评杜鹃演的角色离谱，这是没看懂香港彼时的生态。

导演用一明一暗，勾勒出警界和黑社会两个彼此依存的群体，仅用两个角色，肩负了叙事里的情感线和“事业”线，凝练而有效。

殖民地的“老规矩”与“后殖民”的新秩序蔡真和南江，都是暗中制定规则的人，她俩把磊乐推上巅峰，连理由都一样——喜欢他的简单直接。

他俩之间说的话，磊乐照样听不懂。

蔡真暗中串联黑帮，操控两股势力彼此牵制，让磊乐从中得利。

然而，跛豪的失控，坏了南江的理想，所以才有那次枪击。

蔡真只身拜访南江家，两人谈的也是“恢复秩序”。

谈生意非要牵扯感情，暴露了叙事者的不自信，蔡真的脱衣穿衣也是港片的恶习，却也无碍主旨。

蔡真代表原始积累，南江代表监督纠错，两人共同成就了磊乐的霸业。

南江始终追求的是完善某种“规矩”，从磊乐提出帮派势力新格局开始，南江就在给他的“理想国”查漏补缺，他自称“聪明人”，只求最优解。

当他面对14K的骚乱时，也把政治诉求抛在一边，甚至为了解围可以随口编出自己的政治底色。

南江所执着的“规矩”，是为了让大家都有饭吃，相当于“给每个人擦鞋”。

蔡真的规矩，是扫清磊乐路上的一切障碍，不惜献身，这种狂热令人费解，因此不得不被简单粗暴地归结为“爱你没商量”。

可悲的是，蔡真和南江同样短视——她俩只解决问题，而枉顾问题的根源。

她们的献祭，造就了磊乐的独断和膨胀。

在陪着磊乐任性的每一天，她俩还要同时给自己洗脑——这是为了人人有饭吃。

磊乐是异数，他并不想改善什么，他要的是破旧立新。

他毕竟只是个实用主义者，要的是自己说了算，而不是真正建立“理想国”。

年轻时，磊乐拒收保护费，并不是他多么热爱警察职业，而是他不屑与黑警们为伍。

中年时，磊乐要定规矩，为的是人人有钱赚。

可是他根本不考虑自己既当裁判又下场踢球，做蛋糕的是他，分蛋糕的也是他。

尽管暂时解决了黑社会的乱局，可是把黑警养得更黑。

所以才有后面许冠文饰演的李子超的控诉。

磊乐作为探长，他管理黑社会的理念简单粗暴——成为最大的黑社会。

有他在，秩序不乱，社会维持表面繁荣。

但是，正因为有他在，繁荣背后是民众的不堪重负。

磊乐破了英国殖民者的规矩，破了日据时代的规矩，建立了自己的规矩。

为了生存，他把“弱肉强食”法则推行到极致，他自己做食物链的顶端。

磊乐和南江，都想抛开英国老爷，他俩要实现的是自己人管自己人。

可是，他俩的“管”，根本不是香港底层人想要的。

李子超面对英国高层控诉，民众家里着火都要塞钱给警察，才能有人来救火。

1960年代，在劳动者多次暴动的香港，磊乐和他的旧秩序已经无限接近于他刚做警察时候所反抗的“潜规则”，而他身处顶层，沉醉在他的认知偏差里，用黑钱筑牢他们的特权者城堡。

代表香港民众的是廉政公署，许冠文饰演的李子超出场，新秩序挑战旧规矩。

李子超登场给自己的定位是“公务员”，他为纳税人服务。

值得注意的是，许冠文在媒体面前讲的一句话，他说公务员受贿就是“礼崩乐坏”。

他用的词回归了华语传统语境，而他描述的理想社会，则是公平透明法治社会。

这是以“后殖民”的思路和词汇，反抗殖民者，同时拥抱现代法治秩序。

李子超代表的廉政公署，是对特权阶级的公然宣战，因此被警察暴动威胁，甚至逼得英国殖民当局暴露了本色——只把香港当成殖民地。

港督一句“既往不咎”，险些灭了香港的未来。

众所周知的历史常识是，廉政公署是香港后来成为法治、公平、自由的经济中心的前提保障。

而《风再起时》的磊乐、南江、蔡真们，他们的存在和成功，一方面阻碍了新秩序，另一方面也是黑色的过渡期必然的污点。

他们做大了蛋糕，代表了香港财富的原始积累阶段。

只是，李子超的出场太晚了，尽管导演用他做开头结尾，试图做成闭环的叙事结构，呼吁法治社会的来临。

但是，真正的主角还是弱肉强食的人，小榆、小燕以及被磊乐杀死的小榆哥哥，都是人血馒头，都不可能被浪漫化的《风再起时》所关照到。

小榆和小燕，她们的美，被磊乐记住，被镜头凝视。

而小榆的哥哥，就只让我们看到了被咬掉的耳朵，和囚服上绣着的号码。

在故事本体里，战争并没给豪杰们带来多深的创伤，反而是杀不死的让他们更加强大。

甚至，在被绝对浪漫化的爱情里，磊乐对小榆也犯有理所当然的生存原罪。

如果不杀了小榆的哥哥，磊乐就必死——这个残酷游戏，又让磊乐多了份亏欠，小榆因此成了不可忘记的存在。

但是，镜头里的磊乐太过潇洒，他和南江的举手投足，每一帧都能成为《名利场》的封面。

所谓的“罪”，只是他在染上鸦片瘾时候才被提及。

而他就连抽鸦片都被叙事者同情，当时他正陷入到另一段创伤——小燕和胎儿都被害死，而这也是他对小榆的镜像之爱，由此显得专一纯情，小榆和小燕的生命代价，换来了磊乐的悲情高光——他永远得不到他相同阶级的爱人。

比起导演对磊乐和南江们远走他乡的落寞施以的同情，我反而更关心磊乐是如何从卓尔不群变成同流合污的？

如果说为了生存？

恐怕是太过牵强的理由。

毕竟，磊乐从不反思，南江也不忐忑，他们都没有《美国往事》中麦克斯和面条的审视与自省。

毕竟，客死异乡的磊乐，只是忘了意气风发时喝彩狂欢的拍子而已。

《风再起时》浪漫化的视听里，磊乐们的罪，被粗暴地归给时代，因而每一个代表着阶级群体的角色纵深也被压得扁平。

“给香港的情书”由此更像是一张明信片——取消了阶级纵深的角色群像，充其量只能是做旧的景片。

相信大家对于港片内容本身就是非常的喜欢，能够直接让人想象得到权谋斗争，这次《风再起时》也确实是没有让我们失望，但更多的不是让人感受到江湖斗争的血雨腥风，而是让我们看到了时代背景之下的两个枭雄人物的个人成长经历，在充满动荡的六七十年代香港，能够成为一代历史枭雄，这就证明他们本身身上存在的魅力是值得我们去佩服的，从一个小小的警长到只手遮天的总探长在到海外流亡，这种人生起伏是很多普通人都难以承受，正是从这两位风云人物入手让大家看到了一段跌宕起伏的香港往事，这可能就是时代会成就英雄，英雄也会造就时代吧。

正是影片让我们看到了两个枭雄人物的人生变迁，才让我们有机会去了解那个时代的香港，而同时在观看到他们个人成长史的同时，也让我们的内心备受感慨，能够学到很多不一样的人生道理，当我们处于人生低谷时，或许都应该要以笑着面对。

对于未来不能去预料的事情也都可以泰然处之，面对过去的种种风云，也应该要放正心态，好好的和过去告别，说再见才能够更好的让我们去迎接未来。

这部电影又将印证一句老话：汝之蜜糖，彼之砒霜。

我们经常说电影的审美是非常私人化的，而翁子光的这部《风再起时》将在这点上体现地淋漓尽致，喜欢的人或许会大快朵颐、一本满足，而对另外一群观众则将会充满挑战性。

因为影评人出身的翁子光这次呈现的是一部带有极强个人风格的影迷电影。

或许很多人看到梁朝伟、郭富城这样的双雄配角，再加上富有商业气息的海报，会误以为是传统的动作爽片。

然而但凡只要对翁子光有一定了解，或者曾经看过他的《踏血寻梅》，都会清楚他其实一名典型的作者向导演，这也是在影迷圈中大家会非常期待他的这部电影的很重要的原因。

所以如今出现了一些评价两极分化的情况也在意料之中吧。

特别有意思的地方是，导演翁子光在互动中表示他也经常会去中国电影资料馆看经典老片，比如《八部半》和《地下》，他也打趣道希望观众能认出他来，却没有人认识他。

翁子光也表示他在创作中，也必然会受到很多其他电影的影响，因此本就是非常了解影迷的他，拍出这样一部特别有文艺调调的《风再起时》也就不足为奇了。

还有一点也非常值得分享，导演翁子光也是电影《僵尸》的编剧，谈及这部电影时，翁子光也说他偶尔也会想，如果这部电影由他来拍摄，那么他会拍出怎么样一个版本的《僵尸》呢？

所以对于香港的这段历史而言，既然已经有了《跛豪》《追龙》《五亿探长雷洛传》等这样的展现，或许就没必要继续重复类似的风格，反而突出了翁子光这个版本的独特性和价值。

而且，从实际电影的内容而言，显然翁子光的野心更大，他并非只是想要塑造一两个人物，或者呈现一段曲折的故事，他其实更是要用他的视角和方式属于一段横跨几十年的香港影像历史。

用导演自己的话说，就是这部电影是写给香港的一封情书。

因此，电影在叙事上，没有采用爽文写法，而是把内容相对均匀地分配到香港的各个年代，故事和人物更多是一种线索，目的是为了把香港30-70年代的重要历史变迁体现出来。

而在影像风格方面，大量的特写镜头和仰拍手法的确会非常挑战观众的生理承受能力，尤其是144分钟的片长的确会产生一些疲劳感。

只是这样独特的风格化摄影，也呈现出很特别的迷离质感，从视觉上其实与电影的年代戏的类型倒是颇为搭配，有很强的历史感，甚至是宿命感，更有一种如同逝去时光的那种有点优雅又有点残忍的感觉。

可能有人因为不了解香港历史，又因为很少接触这种风格的影片而看起来比较吃力，但是如果遇到了对的观众，那真的会有很好的沉浸式体验。

这次梁朝伟和郭富城的表演也和其他电影会有一些明显的差异，不过印象比较深刻的则是许冠文最后的那段很长的英文独白。

作为香港金像奖的第一个影帝，他的确不同寻常，而且据导演介绍，这些英文台词，许冠文作为曾经专业教学英语的人，有进行针对性修改，使得内容更加符合使用场景，也是很有意思的花絮了。

通过导演的分享，知道这部电影之前是有过更长的三个半小时的版本的。

可以说，《风再起时》是翁子光版的香港往事，只可惜可能基于市场发行原因，如今我们只能看到当下的144分钟的版本。

当然，电影呈现的内容依然非常丰富，翁子光甚至使用了不少当时的很多纪实影像，来增加这部电影的历史厚重感。

因此结合上述所有的内容来看，不得不承认导演翁子光的确还是很有勇气和艺术追求的，在获得了这样大体量的投资支持，可以用到这些大牌商业演员后，依然愿意坚持自我表达，拒绝套路话地叙事和影像，真正把对电影对香港的爱注入到了影片中，最后得到了《风再起时》这样的不俗作品。

不管前期预售和最终的票房成绩怎样，我还是会建议身边的影迷朋友可以去看看这部影片，毕竟那些一味迎合路人观众的电影已经够多了，而像翁子光这样的片子还是很稀有的，这种电影对于丰富市场和审美多元化拥有其不可替代的意义和价值。

所以还是想要祝福导演翁子光可以遇到他对的观众吧。

《风再起时》是双雄故事，电影的一开场就能显示出这一点，梁朝伟和郭富城的旁白相继而起，这是属于香港华人总探长南江和磊乐的双视角故事，而且这个故事充斥着宿命感。

故事始于上世纪三十年代动荡的香港，南江和磊乐，一个是马上就要和家人踏上逃亡之路的富家公子，一个是初入警界的愣头青，双线并叙，显然他们的故事注定了会有交集。

作为一个小警员，磊乐一开始内心还存有正义感、有理想，会坚持做正确的事，那时他说“不收钱是因为不想成为烂人”，没想到到最后他却说“没钱会死人的”，这是大环境使然，从不想随波逐流到登上权利之巅，时间潜移默化地改变了一个人的思想。

所以电影到后面，许冠文那一段振聋发聩的关于廉政的独白和磊乐最初的理想形成了互文关系时，磊乐的命运和人生便更显讽刺和悲怆了。

在踏上逃亡之路的前夜，南江面对打字机和枪该如何二选一时果断选择了后者，他本以为在这乱世之中可以掌控自己的人生，却不想家人依然无法得到他的保护，到最后亲情和爱情都不遂人意，他只能把这一切看淡。

在遇到磊乐时，那时南江的心思早就转向了争权夺利，但经历了合作、背叛、夺权后，在枪口瞄准对方的那一刻两人又不约而同放下。

争权夺利在这一刻也变得没有意义了。

翁子光是作者型导演，《风再起时》是反传统类型的，是有他自己格调的“香港往事”。

这是一个诚恳的故事，有作者表达，有对逝去时代的还原，音乐和画面也特别考究，可谓20 世纪中叶的香港迄今为止最好的电影。

大家如果有机会还请选择粤语版观赏，那样对白中所富有的情感在传递给观众时才不会有所流失。

《风再起时》是《踏血寻梅》后翁子光又一部自编自导的电影，着实是让人一通好等。

昨晚的影人专场交流，翁导提及自己在北京每个月都到资料馆来看电影，张口就是费里尼、安东尼奥尼，库斯图里卡…… 此人和此人的电影，自然不可小觑：）翁子光是一个眼光挑剔的影迷，是一个心直口快的资深影评人，这似乎先天决定了他自己拍电影的话，就会是一个对自己要求特别高，“明知山有虎，偏向虎山行”的导演。

今天提起“情怀”，总让人不自觉提高警惕，毕竟俗话说“XX不够，情怀来凑”。

但是我想强调一下，在翁子光和《风再起时》这里，情怀是完全正向的赞许。

《风再起时》一方面有他对香港深沉的爱，另一方面处处流露他对电影本身保有的热忱。

电影让我感受到一个导演怎么调动他自己所能调动的一切审美、记忆乃至是生命能量，掏心掏肺地、十分刻苦地以电影化的技巧去记录和诉说“我城”的历史和故事。

我已经很久没有看到像《风再起时》这样信息量爆棚，技巧与情怀也充斥银幕的香港电影了。

找个条件好的大银幕看粤语版是第一选择。

像昨晚的英皇IMAX银幕，真得超给影片加分。

好几年前导演曾经在采访里说：“徐克的《智取威虎山》太难拍了，我是拍不出来的。

”《智取威虎山》那样上天下地的大片对当时只完成过《微交少女》《踏血寻梅》这样规格电影的翁导来说，确实是极大的挑战。

这次看完《风再起时》，我感觉翁导实打实地完成了一次作为导演的升级和破格。

这个故事时间跨度之大，人物线索之复杂，涉及历史事件之多，放眼近些年的华语影坛也实属罕见。

叙事上绝大部分时间都是通过郭富城和梁朝伟两个人物的双重画外音交织向前推进，人物命运缠斗在一起，又要保证观众能跟上，配角个个有细节描写，翁子光扎实的剧力让他能够一手掌控全盘，相当了得。

技巧方面，色彩、画幅来回切换，香港半个多世纪的生活质感被一一复刻，甚至子弹与爱情、肉搏和歌舞都给他在一部电影里拍到了。

相信作为导演的翁子光自己是相当过瘾的，作为观众也是看一幅烟火气十足的浮世绘一样，很爽的。

香港四大探长的传奇之前已经演绎过很多次，诠释过华人探长的香港男演员加一起不下二十位。

郭富城、梁朝伟乃至谭耀文和杜鹃几位主演也是观众看了又看的面孔。

但是在《风再起时》里，还真的就让翁子光又拍出了不一样的风采。

梁朝伟弹琴、郭富城跳舞的那一段真的是帅呆了，那种做派和豪情是香港电影里传承下来的一种独有的味道。

这几位演员的脸真的是很能扛大特写，眼波流转，有范儿，耐看。

再加上许冠文、刘洵、太保、金燕玲、谢君豪等多位实力派的加持，《风再起时》在阵容上回应了许多影史上的“黄金时代”，真的是给影迷的礼物，视觉的大餐。

当然翁子光的场景设计也是极其奏效的。

比如他在对峙的时候加的那一道铁门、斗狠的时候摆的一桌麻将，双雄谈心的时候分享的一碗汤圆，诸如此类都是让电影活色生香的小技巧，聪明得很，值得二刷去再琢磨琢磨。

《风再起时》是翁子光的心血之作，我认为成片也绝对值得观众买上一张电影票。

这种电影对从小看港片长大的人来说，是那种自带包浆的电影，是电影中的电影，一颗值得珍藏的记忆胶囊。

其实并不想再说这部电影的不是。

等待五年。

《风再起时》的成绩可谓相当不理想，票房与口碑双输。

最难受的当然是一众台前幕后的主创，以及片方。

还有那些一直心心念念的影迷。

那么问题在哪？

复盘来看。

电影叙事无非倒序、插叙、跳叙和顺叙交杂，并不难懂。

磊乐从年轻而至中年、再到垂垂老矣，虽有大幅剧情缺失，但每个阶段都看得见性格、气度和行事的轨迹变迁，南江虽则没有递进层次，而基本章法不乱，一众演员各安其位。

摄影、音效、调色乃及剪辑等等，这些技术层面都处理，其实都颇费思量，也映射着导演的态度。

所以电影确实问题，但与能力、题材、态度和技术其实都统统无关。

题目这句话，「如果我来拍《风再起时》」。

并不是自大或者讥讽之意。

而是有人觉得不该非议这部电影，更出言说，「你来拍啊。

」既然如此，就以一个小小影迷的身份，谈谈「如果我来拍《风再起时》」这件事。

不带入自己任何立场。

就事论事。

其实只需要做一件事情。

让角色磊乐，贯穿整部电影、凌驾于所有人物之上。

其他所有角色，全数服务于磊乐的人生故事，就与小愉、姑父姑母、胖子韩、小燕等一样，恰如其分就好，不要过度渲染，更不能反客为主。

这当然就是很多人熟知的那个年代的香港故事。

但其实撇除这个问题，翁子光导演的立意与构思非常强悍。

他在耳熟能详的故事基础上，给予了香港沦陷与战争年代对人性的拷问、摧残和扭曲这样一个深度的思考，这就是破题立新。

从而即便是讲一个人人熟知的故事，也依然能够令人拍案叫绝，也同样可以载入香港影史。

这其实就是翁子光导演的本事和优势所在。

但很可惜，他手握“双雄”，香港影坛的两张顶级王牌。

演员郭富城与梁朝伟。

有个情况很显然。

为了平衡，他将本来属于磊乐的智、勇、深情和大义尽数剥离，嫁接到了本来就多谋、谨慎且善于自保的南江身上，从而出现了一个很难堪的情况。

磊乐戏份不少，但浅言辄止，只有南江的戏娓娓道来，并且侧重明显。

比如片中有一幕戏，磊乐在给众人讲如何控制黑帮、如何分配利益，其实讲得很清楚，但各个都听不懂，然后南江来讲了一遍同样的话，大家恍然大悟。

这是在玩哪样？

强调磊乐是大老粗，说他大字不识一个，所以连表达都有问题？

又比如反目火拼的一场戏，整个过程都凸显南江的运筹帷幄，磊乐则只有匹夫之勇，而南江轻易就将磊乐折服，并晓以大义，再将所有筹码奉还，简直就是在讲，「你不配跟我斗，我只是没兴趣玩。

」天枰就这样倾斜，也就注定了电影的败局。

因为南江不是磊乐。

他的出身和人生经历在相形之下都显得单薄，不足以支撑起电影的立意与主题。

这当然并不是非议演员。

因为无论是郭富城还是梁朝伟，都是无双之选。

但谁演磊乐，就该谁“大”。

就如那句戏中台词，「香港这地方，谁有本事谁大。

」

然而所有的东西都在背道而驰。

经历过生死炼狱的磊乐，成了一个依靠老婆和他人帮扶而上位的“花瓶”。

他除了嚣张暴戾，就是花天酒地、纸醉金迷，活脱脱的“反派”，纵然有午夜梦回的心神不定和被触碰逆鳞的爆发，也有收服严洪的强大气场与枭雄之姿，却始终着墨太浅。

也因为戏份的剥离，一手遮天更欠缺了说服力。

电影转而变成了南江的「人生回忆录」，而他的人生，其实浅薄如纸，既没有在炼狱中挣扎过，也没有高低起伏，只剩下专情绅士、操弄世事如棋的智慧与淡定这种完美人设。

与电影主题悍然相悖。

在这样的倾斜下，整部电影只有南江的故事与戏份完整。

连第一主角磊乐都无法幸免，更遑论配角。

其他更多人就更是头绪纷乱，或者根本没有由来，就像严洪的癫痫、跛豪的无能，在没有前情交代和延展描写的情况下，最终都变成一场进退失据，甚或是“无厘头”。

也就像一场庞大棋局，弃核心腹地不顾，专营边角。

待你回头望眼，只余大败亏输。

说到底。

其实无非是翁子光的一场“心乱”。

却并不是他不够能力。

再说严重点，磊乐成为了“弃子”，而南江则“反客为主”。

这导致了非常严重的后果。

翁子光失去了这次难得的崛起机会，一如当年拍《风云2》的彭氏兄弟，郭富城应该要考虑，更深层次地介入电影，不要再安于当一颗“导演的棋子”，梁朝伟则需要等待下一部作品重振。

没有人是赢家。

却没法再重新来一次，这当然也正是电影的残酷与魅力所在。

而关于电影《风再起时》。

却只余慨叹。

而「如果我来拍《风再起时》」这件事。

很简单，将从磊乐身上剥离的东西放回原处，将人物细节补足。

再强化那场反目对峙的大戏。

这场「香港三十年来最磅礴的野史篇章」。

就将如滔天巨浪。

悍然扑涌。

《风再起时》是期待了非常久的翁子光近作，几经辗转幸运地买到了全城少有的粤语场次，原汁原味地欣赏了一部“有生之年”系列港片。

可惜总体未达最初的预期。

在进入影院之前，已经提早看过了点映的几位朋友已经分别告诉我，对《风再起时》的观感很差，但我还是出于对《踏血寻梅》的好感，对“kdjfjdfj”、“弟茂德前书4:4 凡神所造的都是好的，若感谢着领受，便没有一样是可弃的”的好感，对翁子光有着最基础的审美上的信心，就这样踏入影院。

总体来讲，问题在于太过碎片化和浪漫化地处理素材，商业不成其为商业，艺术也不足够为艺术， 美是美的，太易生腻。

这是致命伤。

开头粤剧下的战乱频仍，声画对立的呈现方式很有力度。

与同为春节档的《流浪地球2》对于末世纷乱中一只狗的命运的刻画，同样使人印象深刻。

看雷洛（即磊乐原型）由一个最初追求“擦鞋的平等”的男孩，到人人都“穿上皮鞋”后却只讲利益与黑社会勾结大肆敛财的军阀式人物，某种意义上讲，也是在观看一个曾经豪情满怀青年的堕落史。

他最初也是最关键的一场堕落，发生在故事最初的战争阶段，而这一情节，直到影片后段才得以揭露——为求自保，他交换了代号牌，使得另一位犯人惨死，他眼见对方的大耳朵被削下（或是自己亲手削下，这里意味不够明晰），这一画面让他此后永堕地狱，而后来的爱人始终在寻找着的生着大耳朵的哥哥，就是这位517号，罪孽更是无时无刻不在提醒着，他的命是偷来的，让磊乐一生难逃愧疚与梦魇。

影片中对于“磊乐”这个角色的上位史的呈现，大体上是混沌和模糊的。

观众看得到的，只有他身后不择手段为他铺路的女人，和身边半程助力的兄弟，仿佛一代枭雄的诞生，全靠坐享其成，只剩嚣张跋扈，而自身全然缺乏一些更“重要”的助其上位的根本特质，例如办事狠辣、凶悍果决等等。

但历史和现实都告诉我们，这当然是不可能的。

除此之外，磊乐南江为何兄弟决裂为何反目成仇的关键、磊乐突然的“退隐江湖”提议，和蔡真前去请求南江放过与磊乐的争斗这几段剧情的合理性也未有彰显。

蔡真是一个多么严酷的女人，对没有感情又会造成威胁的人几乎除之而后快，然而却放下身段去求南江，可想而知彼时磊乐到了一个何等山穷水尽的地步。

剧情的空缺大概率在于剪辑应对审核的考量（这可是部第一版剪出六个小时的电影啊！

），导致人物本身扁平化、信服力较弱，不得不说是遗憾的。

与磊乐相反，战争在最初带给青年南江的，却仿佛一场天赐的幸运，他逃难至内地，结识一位日本军官，获得一个亦师亦友亦父的“贵人”。

然而这“贵人”很快就暴露出了虚伪本质，南江在父亲与日本的前途似锦中，最终还是选择了父亲。

“离开的那一刻，我不敢回头看他一眼”。

这段往事让人叹息。

而总的来说，历史带给两位主角的，都是难以治愈的创伤，如电影《朗读者》的主角，关于身份关于战争关于历史是一生都会被纠缠的指涉。

总体上，伟仔的表现并不够出色，短暂的魅力在于表演类似于“周慕云”情节的地方，例如舞会上弹钢琴之潇洒、和蔡真在兄弟决裂后的男女对手戏。

此外，想特别提一下关于他眼镜的问题。

一副粗框的玳瑁眼镜，能够遮挡欲望和野心，若意图在于表现一个人由文弱至癫狂或暗示某人隐藏在文弱下的癫狂等类似的反差感再合适不过。

因而在南江与磊乐牌桌上发生龃龉之时——南江在自比丫鬟之后磊乐甚至扇了他一耳光——观众很自然地会等待南江的翻脸和奋起反抗。

但是并没有，南江以他一贯的个性来很“智慧”和圆滑地处理掉了这一友情危机，相当于眼镜的设定甚至这一场龃龉都是一个多余的闲笔。

这甚至会误导观众——我不认为在这一点上误导观众是一个多么高明的选择，这并非悬疑片，指涉不明反而有可能造成剧情理解上的问题。

眼镜在燃烧着的火堆面前摄影的呈现是美的，但总体上大概限制了他的发挥——或者是说电影的大多数人物本身就不够饱满。

翁子光的迷影情结在《风再起时》中展露无遗，但显而易见的是，并没有把握住王家卫《一代宗师》中处理众生相的精髓。

奉献出最打动人最convincing表演的，反而是作为脱离四大探长最巅峰时期而存在的角色——ICAC许冠文，面对港英权力代表的那番英文演说，让我真切地认为，这部电影确是献给“我城”的情书。

翁子光言明：“希望通过以前的香港，看未来如何展望香港。

”或许只有真正求取勃发、生机盎然又迭代迅速的香港这座城市孕育出的子女，才会说出“不关心我的祖父的生活是如何，只关心我的儿子与孙子生活在一个怎样的地方”，这大概也是狮子山下精神的某种延伸，积极且一切向前。

不由得想到栋笃笑里黄子华面对红磡几万香港人，斩钉截铁复述的黄霑那句“为真小人争取社会地位，不让伪君子们霸占了全世界”。

（ps去年许冠文拿到金像奖终身成就奖的那番演说以及颁奖嘉宾黄子华的颁奖词，同样动人）“为真小人争取社会地位，不让伪君子们霸占了全世界”。

共勉。

此外，赞美春夏。

写于观影结束的2月5日夜迟到的元宵节快乐