冰淇淋与雨声

深夜兼职时间还剩倒数三分钟当我脱下了土气的工作服时在想年中无休全天一人上班制要持续到何时看不到未来 所以感到不安看不到未来 所以也因此得救但我其实能感觉到那令我感到作呕的平凡未来那样也不坏嘛 我还没强大到可以说出这话真是太糟糕了 我也没有想过这么说不断重复着无可奈何的选择每天的时间在无情地流过没有理由般地留下一行眼泪这条街正在观察着我因此强迫自己挺起胸膛看着东京的摩天大楼有一种过于天真的幻想我才不会输给正俯视着我的大楼很好 真的太好了抛弃了故乡 抛弃了那条街道甩开了曾紧紧牵住的手 真是太好了我必须要学会这么说很好 真的太好了抛弃了故乡 抛弃了那条街道甩开了曾紧紧牵住的手 真是太好了我必须要这么说爸爸 给您添麻烦了 对不起妈妈 让您担心了 对不起我过新年的时候不打算回家了因为我没有任何一件好事可以挺起胸膛告诉你们只倒数十下 人生是不会结束的在那之后还有十一和十二我全明白的但请稍微包容我一下吧因为放弃这件事是我憧憬了很久的啊我想我最后终究会到达那里那是能够直面冰冷现实的人才可以说出的话我想我暂时还没有那个资格吧于是我现在绝对不会放弃自己的梦收集废品的垃圾箱并不在我的心里最后时刻我一定要笑着面对不 不对我要从现在开始笑到最后很好 真的太好了抛弃了故乡 抛弃了那条街道甩开了曾紧紧牵住的手真是太好了我必须要说出口很好 真的太好了抛弃了故乡 抛弃了那条街道甩开了曾紧紧牵住的手 真是太好了我必须要说出口很好 真的太好了抛弃了故乡 抛弃了那条街道甩开了曾紧紧牵住的手 真是太好了我必须要说出口

说起影史上一镜到底的电影，除了艺术家安迪·沃霍尔的《帝国大厦》外，很多影迷第一时间想到的经典之作应该是索科洛夫的《俄罗斯方舟》，短短100分钟内，穿越俄国两百多年的历史，并且实打实地仅仅是用一个镜头调度出来的，相当厉害。

亚历山大·索科洛夫《俄罗斯方舟》但纵观百年光影，像《俄罗斯方舟》这么出名的“一镜到底”其实并不多，毕竟很少有导演能够一次就拍成功，而假如要反复NG重拍，所耗费的精力与财力都无可估量。

也正因此，某些不像索科洛夫那么“较真”的导演，也会尝试用组接的方式“伪造”所谓的一镜到底。

比如冈萨雷斯·伊纳里多的《鸟人》，看似一镜到底，其实中间有16个剪辑点；再比如希区柯克的《夺魂索》，其实是十个镜头组成的；还有贝拉·塔尔的《麦克白》，是由两个镜头构成。

亚历桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多《鸟人》

阿尔弗雷德·希区柯克《夺魂索》当然，近些年也不乏敢于挑战“一镜到底”的勇士，会偶尔站出来。

比如德国导演塞巴斯蒂安·席佩尔，就曾在2015年拍了部一镜到底长达138分钟的《维多利亚》，拍了三次才成功。

比如日本导演三谷幸喜的《大空港2013》，则以100分钟的一镜到底牵引出整个机场的人生百态。

塞巴斯蒂安·席佩尔《维多利亚》

三谷幸喜《大空港2013》当然，可能很多人还会提到毕赣导演《路边野餐》中的42分钟长镜头，或者《地球最后的夜晚》中长达1小时的长镜头。

但因为这两部都并非一镜到底，在此就不展开了。

而今天我们要深聊的这部电影，来自非常年轻的日本新生代导演松居大悟。

这部新近出炉的日影《冰与雨声》（后改为：冰淇淋与雨声），最初吸引我的便是“74分钟一镜到底”这个技术性噱头。

有颜又有才的松居大悟导演放进影史序列看，74分钟一镜到底可能并不算什么；影片真正闪光之处，还在于那些排演时刻迸发的灵魂火花，虽为日式中二热血，也难免让我想念约翰·卡萨维茨的临场魔力。

而影片中某句歌词也令我一直记忆犹新：“看不到我的未来，我终于松了口气；因为未来平庸到让人反胃。

”

作者| 松原公号| 看电影看到死前阵子，北京温度骤降还下了雨。

在这样的天气里跑去电影资料馆看《冰与雨声》（后改为：冰淇淋与雨声）倒也很衬这个题目。

抱着这样的想法，我满怀期待进了场。

之前，看本片导演松居大悟编剧并执导的《Byplayers》颇感惊艳，也有所耳闻导演前作《安昙春子下落不明》因为较为大胆创新的手法、而收到褒贬不一的各种评价。

《安昙春子下落不明》而今年这部《冰与雨声》则是以74分钟一镜到底的拍摄手法和打破虚实界限的华丽青春群像主题深深吸引住了我。

悄悄观察影厅其他观众，我猜或许大家也都是如此吧？

资料馆的大厅都没有坐得很满，而观众大多数也很年轻，大家几乎表现得像是来见一个朋友一般。

松居大悟的才气也确实在这部电影中展现得淋漓尽致。

正如导演自己在映后的对谈中所言，《冰与雨声》并不太能够被定义为到底是怎么样的电影，而是处在某种“中间状态”，因其模糊了现实与虚拟、电影与戏剧，甚至观众与银幕的诸多边界；然而，也正因如此，这部电影才有了自己的迷人之处，也即成为导演本人想要探求的某种真实。

影片《冰与雨声》展现了热爱戏剧的少年少女为了一次演出努力练习、却在最后被告知演出取消，因而奋起反抗的故事。

在这些年轻人的生活里，戏剧是一件随时可能发生的事情——随时都能进入故事，随时都能进入表演状态。

导演通过画幅的改变，暗示我们什么是在电影中的现实里发生的事，什么是在电影中的戏剧里发生的事。

而我们年轻的主人公们就在戏剧和现实中肆意穿梭，串联起既是现实又是戏剧的双重剧情，推动两个不同故事共同发展。

此外，还有不经意间就会出现的主人公对着镜头喃喃自语的画面，既是展现内心独白，又像是和观众对话。

整部电影的氛围相当自由却不至于令人费解，仿佛是一次对自己中学时代的回忆，相当轻快。

事实上对我来说，在观影过程中能感受到的是三重时空的同时存在。

所谓三重时空，一重是我本人所处的现实，一重是电影中主人公们所处的时空，一重是电影中的戏剧时空；三重时空交相呼应，形成奇妙的观影体验。

在画幅伸展缩放之间，电影中的少年少女直视镜头喃喃自语之时，现实和虚拟的边界就被淡化了。

由此更进一步，甚至观众和银幕的边界也是被淡化的。

假如当天在电影资料馆坐得足够靠前，那么在电影的最后那个场景中——镜头对准站在舞台上的少年少女们，前景是空无一人的座位，简直会产生此刻就坐在空旷的下北泽小剧场中的错觉，正看着舞台上的这群年轻人——多么微妙的感受！

电影作品中不缺少一镜到底的经典先例，而在这74分钟之中，导演却很好地利用长镜头发挥了电影的特质，在镜头的停滞和字幕的提示之间完成时空转换。

长镜头跟随演员，在演出开始前的狭小公寓中来回游走，或旋转，或停留，以此展现演出开始前不同时段主人公们不同的行为与相异的心境。

或者说可以这么理解，在演出最终开始之前，主人公们的日常就是不停地重复排练戏剧的各个部分，在每个时间节点导演截取的只是一种“横截面”，但这种“横截面”却能因其相似性而互相连接，然后再用这个长镜头的“容器”将其装载。

不得不说，还是挺有想法的。

而《冰与雨声》中的戏剧特质，除了主人公们突然地进入表演状态之外，也展现于担当配乐的MOROHA中。

这个只有两个人的音乐组合，包括了负责说唱部分的Afro和负责吉他的UK，在《冰与雨声》中担任了类似于戏剧中“歌队”的角色。

自戏剧诞生以来，歌队就在其中担任着叙事和抒情的双重功能，比如提示情节、暗示命运。

《冰与雨声》中的MOROHA也是如此，用他们一贯以来那种宣泄似的歌声告白主人公们内心理想受挫的愤懑和不知去向何方的迷茫。

从片头开始，导演让MOROHA时不时于电影中出现甚至可以与主人公互动，运用他们的歌声在影片情绪浓烈之处加以渲染，Afro的诉说也与主人公们抗争的心境相得益彰。

电影中加入诸多具有戏剧特质的重要元素，同时又不舍弃电影调度本身在时空转接上的优势，因此在整部《冰与雨声》之中，电影和戏剧的边界也是不甚分明的。

因此，在这两个层面上，《冰与雨声》所展现的就是那一种“中间状态”——模糊了现实与虚拟，也模糊了电影与戏剧。

然而，电影的感情却是再分明不过了，那种似曾相识的少年心气。

因为戏剧是唯一的寄托，所以失去了戏剧就不知道再有什么可以热爱的了，所以不甘心呀，不甘心向往的远方就这么被剥夺了，所以冒着被赶出去、被斥责甚至承担可怕后果的危险，也要溜进剧场，所以就算台下观众席空无一人也要开始表演，因为失去这个就一无所有了。

松居大悟导演在映后说这是由真实的故事改编而来的，这些孩子是真的因为原定的戏剧表演取消了，才会有这部电影作为替代——而松居大悟本人也在电影中“真实地”扮演了戏剧导演的角色。

而在真正的现实中，这些演员也正是怀着对戏剧和表演的热爱才会聚到一起——差不多都是高中生的样子，没有事务所甚至没有正式表演的经历，其中一位还是从大阪来到东京下北泽，甚至做好了要是不成功就坐夜班巴士回去的打算。

也难怪这部电影中的感情会如此真实——这也是虚实之间的又一次互相映衬啊。

电影的背景所在地下北泽，是东京新兴的流行文化区域，也以诸多剧场著称。

不少著名演员就是在此完成了自己人生的首次登台亮相，也是许多热爱戏剧的年轻人寄托梦想的地方。

忍不住会想在《冰与雨声》背后的下北泽，还会有多少类似的年轻人，怀着相同的少年心气，在此奋力一搏呢？

从电影中的青春群像到电影背后，最终又回到电影中，这正是《冰与雨声》构造的“中间状态”的迷人之处。

不过直到映后，我才知道自己一直以来都意会错了《冰与雨声》的含义。

用松居大悟导演的话说，雨声就好像剧场里的掌声，而“冰”事实上应该被翻译为“冰淇淋”，是把他带回到现实中的事物。

将这两种物件并置，正如电影和电影之外的同构，作为题目真是太好了。

能在影院体会到这种模糊诸多边界的“中间状态”，也真是太好了。

本文原标题：被模糊的边界与真实的少年心气——《冰与雨声》及其展现的“中间状态”作者| 松原；公号| 看电影看到死编辑| 骑屋顶少年；转载请注明出处

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《听说桐岛要退部》8.0①发现两部电影或迥异或相似，倒也生搬硬套能说出点关联，偷懒的想法冒出来，就干脆凑一块写了。

《冰》是74分钟的一镜到底，绵延好几周、转换多个场景的时与空，都被一个镜头串到了一起。

《听》从不同视角观察同一时空的相同事件，是错综复杂的一张网。

在观看《冰》时，观众是全程的参与者，始终保持在中二热血的亢奋中。

而在观看《听》时，我们更多是冷静的旁观者，只在结局的阳台上，小小地中二一会。

《冰》的一切目的都是为了一场早已被取消的演出，而《听》里面所有兜兜转转，都是为了一个注定不会出现的人。

他们讲的都是，疼痛的青春。

②《冰》是一部评论两极分化的电影，那么，如何测试你与这部电影的相性呢？

打开音乐软件搜索日本乐队「MOROHA」，听上一会儿，要是没有翻着白眼赶紧关掉，反而津津有味的话，说不定，你会喜欢这部电影的。

③常见的青春片总有少年升学或是转校生忽然到来，于是旧秩序失衡，各种纷争。

《听》反其道而行之，金字塔顶端的风云人物忽然说要离开，所有人于是主动或被动地被打扰，陷入无所适从。

一边是充分可信的微妙细节，一边是《等待戈多》似的荒谬主题，还真是，有意思的剧作。

20190409

影:背景

心:好无聊啊，大部分时候的人都是无聊的，你有的时候曲意逢迎的时候，忙忙碌碌的消灭日程表的时候也是无聊的。

的人都是无聊的，你有的时候曲意逢迎的时候，忙忙碌碌的消灭日程表的时候也是无聊的。

心:这个角度看怎么说吧，有的时候，你热爱的一切和现实比起来似乎真的得不到任何救赎。

红:毒舌。

影:真实和虚拟通过镜头的风格去交替进行。

4:3再到16:9心:这个角度看怎么说吧，有的时候，你热爱的一切和现实比起来似乎真的得不到任何救赎。

红:毒舌。

影:真实和虚拟通过镜头的风格去交替进行。

4:3再到16:9

影:这片子还厉害在三个层次。

一个是音乐世界，一个是电影世界，一个是戏外真实世界。

红女:善变的青春期，对音乐看法的转变。

影:这片子还厉害在三个层次。

一个是音乐世界，一个是电影世界，一个是戏外真实世界。

红女:善变的青春期，对音乐看法的转变。

心:每一个醉酒的夜晚。

喝大的刹那不就是这样吗，寒风中，登上了一辆驶向家里的出租车。

所有的欢声笑语都留在了宿醉温暖的房间里。

歌手:很用力的唱。

影:这一幕他们兴奋的跳起了踢踏舞，灵魂在一刹那得到释放。

舞蹈和音乐总是离灵魂那么近。

影:中间很多时间上的重合，有点像口香糖，咀嚼的时间长了之后，可以很快的把故事粘在一起。

让人忘了咀嚼他的时间。

时间越来越近，离最终上舞台。

歌手:这大哥的歌词如诗，唱作的方式与其说是说唱，不如说是朗诵和嘶吼，把所有歌词连唱带说的吼出来。

焦晃的米粒，飘摇玉碎的电影梦想 音乐已死的感慨。

后悔的泪水，懂的人能懂就好。

影: 演不成了这部戏，由于一些原因。

但是，他们依然有我执着，坚持要演下去，哪怕是自演自话的方式。

所以就有了三个人躺在地上演话剧的情景 心: 没有逻辑的台词，但是充满情绪和荷尔蒙的，激情的，青春的内心独白，构成了大段的对白。

你看到了所有漂浮在脑海中的情绪，惧怕未来，无意义，死亡

点题

改过（接上），又什么也改不了，挣扎却没有结果。

孤独，害怕，不甘心，三角恋，只是想做一个三明治。

心:我们每个人都是个性不一的小宇宙。

所以，走进每个人的内心吧，你我都是地狱啊。

心:自不量力的话，又能怎样?喜欢举手被嘲笑的段子。

痕迹很深刻，在很多人可能只是停留在无谓的嘲笑。

而我搞不好会记一辈子。

所谓青春文学啊，不就停留在诗意中么

心:突兀到可怕，你跟一个忘记了自己的青年，童年的大叔讲小宇宙的问题，他是不会理解的，因为他关注的是流程，结果，任务，让步，妥协一份工作。

而青春的你们关注的是自我，情绪，无处抒发的荷尔蒙。

这一段对比也是很经典的。

影:一部靠台词成起来的电影。

台词的进化，也就是成熟的进化。

从尊重个性，到超然与个性的个性，超验，敏感，智慧，发现个性的渺小的时候，这是导演想要的东西爆炸的地方。

影:他们被拒绝登台，因为个性言论被轰走，但是他们执着于寻找一个出口，一次登台的机会。

所以，向现实发起挑战吧。

小胖子:随遇而安的性格，可以说是一种成熟吧。

可是能有这么牛逼的经历的时候，我还能说什么呢?当然是喜欢啦，喜欢这样一种发疯的，热血的青春。

心:我就是要站在外面的角度吐槽一下自己的电影，他就是什么也改变不了啊。

没办法。

所有形而上的东西，情怀啊，青春啊，都是狗屎啦。

心:但是这个东西却是可以燃烧，确实可以成为星空中璀璨的烟火，燃烧整个世界，然后依照记忆的形式被保存下来。

时间，可以解决一切，其实就是，时间可以验证一切，你信的，你不信的，有结果的或者没有结果的，都会被时间筛选下来。

留下来的搞不好就是，在最值青春的时候，拍了一场没有人看的话剧

时间带走一切

最后，入诗般的提到了飞逝的时间，要留下来所有应该留下的。

这一段回忆，这一段形而上的记忆，太宝贵了，黏连着的青春和一切事件，委屈都是异常的宝贵，不能丢，不能消失，请都留下来吧。

最佳的年龄。

好，停！

松居大悟_冰淇淋与雨声_20176.7情绪上真是没什么说服力，青春题材经常这样。

时间提示、画幅切换、镜内蒙太奇、配乐旁白的入场共同作用出一个戏里戏外时间空间边界不明的叙事概念，可以说非常新鲜，可这些在前十几分钟吓到了我的一切形式都在后来逐渐疲软。

某种程度上它从头到尾都带来了快感，这是场面调度的功劳，尤其是吉他念白组固定频率的出现，有张有弛，爆发和沉寂分布得很平衡。

有些电影会很像音乐，这部就是其中之一。

它未必是那些听完之后让你怔在原地很久的音乐（当然有这种音乐），而是在过程中会前摇后摆的那些（当然也有这种）。

剧情的设计呢，跟不上这种出色的节奏。

虚浮的台词听得我面红耳赤，和重新看高中时日记的感受类似——我倒不会反感这种对着空气挥拳般的尴尬，也理解少女少年不分虚实地疼痛。

这群年轻人对于差不多的梦想有各异和持续变化的态度，热情啊，偏执啊，绝望啊，释然啊，空虚啊，或表达自己的无法理解或接受，最后又可以抱着明知不可达成也要做的觉悟。

主创在电影开始的会议上说了，青春期疼痛嘛，待会儿要是疼麻烦你就“哎哟”一声，全面而具体可不够精准，情绪转变的动机和表现形式都十分潦草。

倘若每个角色都要如地铁上的醉汉一样吐露心声，谁愿意听呢？

她们抱怨了，“所有人都无聊，包括你，大多数时间也无聊”，我对本片也有相同的困惑，哪怕到剧场后鼓点更加密集，天旋地转，也只加剧了我的困惑。

既然这个小镇没劲，为什么不去别的镇呢？

我就是这么问我自己的。

好久没有看过这么尽兴的电影了。

74分钟一镜到底。

不用在意故事细节，但完全能融进演员们的情绪里。

电影演员、电影中的舞台剧演员、电影中舞台剧的角色都是演员本名，现实和剧情的界限模糊但立体。

台词又燃又丧，MOROHA的拉普真的很搭作品。

（拉普喊得越大声观者哭得也能更大声（褒义「时间会解决一切，将之化为乌有。

但是我还是不想这样，因为那些东西都是属于我的。

因为再坏，再不堪，也是我的一部分。

还给我！

还给我！

让时间带走一切你甘心吗？

」「“太好了。

真的太好了。

”得让自己强大到能说出这样的话。

」（把艺术视为梦想的人，为了目标拼命的人，真是太浪漫了。

（松居导演拍拍热血挺好的，「安昙春子下落不明」那种有点无病呻吟的意义不明……（后悔经过下北泽的本多剧场门口无数次都没有进去过（每个人都是有意识的宇宙（果然，年轻真好啊（因为字数超了几个就直接放影评了……（快毕业啦，但是没毕业之前，我还是觉得能追梦的话，真好。

　　本来写完《塔巴德魔神》就准备睡觉的，谁知道鬼使神差看了《冰淇淋与雨声》，喜欢的不得了。

看完电影是凌晨四点半，查了一下资料，才知道《安昙子下落不明》，也是出自导演松居大悟之手。

　　要说《冰淇淋与雨声》的惊艳之处，在于一镜到底的拍摄手法，以及自由切换的时间空间，整部电影可以说拍的很有力量。

无论是抱着话筒傻说唱的MOROHA，还是演员森田想努力追逐的独白，都表现的很有力量。

但是不足之处，也就在于这些很有力量的东西，打破了电影平缓叙事的灵活性，使得这部分的处理看起来很尴尬。

就像是油腻大胡子大叔，穿着紧绷绷的女仆装高喊自由一般。

　　电影的故事很简单，开头就给出来了：2017年3月，小镇即将上演一出舞台剧。

出演的是通过试镜选出来的少男少女，但是因为售票状况不佳，舞台剧的演出被取消了。

以森田想为代表的少男少女们，为了实现梦想，冲破了重重阻挠最终站上了空无一人的舞台。

　　电影的时间一共七十四分钟，在这七十四分钟里，分为现实和话剧排练两条线。

现实部分分别为正式演出一个月前、正式演出三周前、正式演出两周前、正式演出一周前、正式演出两天前、演出当天以及演出前一小时。

话剧内容以排练的形式穿插存在于这七段现实中。

　　话剧的内容也很有意思，想从小的朋友怜子要离开小镇去远方发展，送怜子离开的时候，想伙同怜子杀掉了自己的男友伟登。

而与此同时，想的母亲也即将病逝，想一瞬间面对失去所有人的命运。

　　冰淇淋和雨声，很好的诠释了故事内外。

冰淇淋甜美而冰冷，而雨声暴躁却充满诗意，哪一个才是梦境？

哪一个才是现实？

或许根本就说不清楚，当话剧里的怜子要离开的时候，那是一种对生活的追逐，能够追逐生活的人，是拒绝平庸的。

就像想在话剧里杀了男友一样，就像现实中不愿意接受话剧停演的结果。

无论是现实还是话剧，要表达的东西，在本质上都是一样的，就是不想向命运妥协。

　　然而，当演员们站上舞台的时候，面对的却是空无一人的观众席，这就是现实。

话剧中也是一样，虽然杀死了龌龊的男友，但是想最终要面对的，还是警察的调查，伟登父母的责难。

讨厌的母亲即将死去，迎面而来艰苦生活又成了要面对的压力。

哪一个是好？

哪一个又是坏呢？

其实都不重要，就像导演在开头说的，故事的开端是朋友要搬离小镇，讲述的是痛苦的回忆和人物的挣扎，故事的情节并不重要，想要描绘的是几个人在舞台上的生活，所以六个人使用本名出演。

　　电影里的松居导演就是松居大悟本人，他所说的故事情节，既包含了话剧的故事情节，也包含电影本身的故事情节。

情节是次要的，最主要的是把青春期人物复杂的情感真实的表达出来。

　　开头是故事和话剧的重叠，结尾其实也是，六人站在舞台上的宣言，不仅仅是针对那个话剧的，更像是电影本身的呐喊。

　　moroha在开头念道“时间解决一切，无论是失恋、屈辱、或是后悔，所以我只是吃喝拉撒，然而我为什么你为什么还是要拼命的抓住这份稍纵即逝的情感？

”在结尾的时候，MOROHA喊出了类似的话，只是说“时间会解决一切，这样本来就可以了，为什么我还放不下，那些再坏再不堪的垃圾都是我的一部分，还给我。

”　　MOROHA喊出的话，其实就是青春本身，丢掉了就再也回不来的本身。

当我们身在青春的时候，特别不在乎。

而当青春走了，却又那么不舍。

就像《就这样，我们把金鱼放入了泳池》里最后的旁白：最后，一切都没有改变；最后，我们的所作所为毫无意义；但是最后，她们唱道：“来吧，轻轻吻我吧，一边凝望大海与天空，我爱你，此时此刻我活着……”这就是青春，明知道什么都改变不了，但是还是要去改变，只因为，我活着。

　　就像这部电影一样，生硬尴尬中二病，不过就像是热烈的烟火，很快就会消散，但是，这就是青春。

我相信，这就是大多数人喜欢这部电影的原因。

虽然他们注定会消失，那又有什么关系呢？

　　那种，迷茫，又忧伤的东西。

8.5‘制作费是笔和A4纸，梦想不会来到你身边而实现，梦想只有努力追逐才会变为现实。

是否能够实现并不重要，只要有梦想人生就会熠熠生辉。

’一镜到底让我们在现实与虚拟的时空中穿梭，花瓶裂开的缝隙照进阳光。

让时间把梦想和热情带走，你甘心吗?导演用画幅的变换取代了转场，从16:9到2.35:1，画幅的轮替像一次呼吸，存在却容易被忽略。

‘以前开班会选班委的时候，毛遂自荐的我输给了朋友举荐的人气选手，我到现在还记得向我投来的无数的嘲笑眼光，如果当年用那种眼神看过我的同班同学中，现在有人在看这部电影的话，请你务必保持那种眼神。

’嘶吼，挣扎，转身空无一人。

这是一首写给想要站上舞台的人的情诗，吞咽下喉咙中的泪水，感动于创作者的执念。

剧院，就是我离开的车票了 影片的最后，镜头逐渐拉开，少男少女们在舞台上站成倔强的模样，不羁地凝视着前方。

是剧场，也是影院中的观众。

《冰淇淋和雨声》是一部戏剧与现实不断交织，共同带动故事情节向前的电影。

最吸引人的“噱头”，无疑是74分钟的影片“一镜到底”。

就像是舞台上的演出，情绪一泄到底，酣畅淋漓。

故事主线非常简单，少年们被选中出演舞台剧，排练了一段时间后，出于某种原因演出被取消。

饰演女主角的想，兴冲冲进入排练厅的时候，典型中年商人模样的制作人，正和大家解释着因为销售情况不佳，演出需要取消。

大家那么些天的排练，都“白费”了。

少年们低着头不说话。

有些人默默接受了这成年人世界的规则。

想却不甘心，拉着一些同伴继续开始排练。

故事继续，她仍然是戏里那个即将看着朋友离开小镇的“想”。

表面上是不顾一切的青春，是为了梦想的”燃”，但《冰淇淋和雨声》的故事内核，是属于青春的“离开”。

属于青春的离开，太多作品想要讲这件事了。

曾经看过一部意大利电影，滨海小镇上打打闹闹的青年，一群人中有不学无术的，有早早泥足婚姻的——也有在清晨5点乘上火车，离开仍在沉睡中的小镇的。

“离开”，无疑是属于青春的，最重要的母题之一。

离开小镇，意味着剥离平庸，拒绝泥足的可能性。

在最初的那段排练中，我们看到想和戏中的闺蜜聊起了即将的分别。

闺蜜一心要离开小镇。

她在想的挽留中，显得决绝而冷酷。

她说小镇太无聊，一切都很无聊，多数的“朋友”都是无聊的。

“除了你。

不，大多数情况下，你也很无聊。

” 她对想说。

恰恰是这出戏中戏的内核与现实中情节内核的契合，成就了《冰淇淋和雨声》现实与戏剧交织的完美融合。

少男少女们在各种现实的场景下说起了戏中的台词，流露出戏中的情绪。

除了画幅比例的略为不同，从演绎上甚至很难分别戏与现实。

因为现实中的少男少女，也是一样想要离开。

在想要逃离平庸现实和无可避免地远离青春的不甘之间，被拉扯着。

雨天，红甘撑着伞蹲在楼下，像一朵蘑菇。

她温柔而尴尬地抬起头说，不知道可以去哪里呢。

为了呈现一台精彩的剧而拼劲全力，忽然目标被抽离，就好像奔跑的赛道被人抽走，倏忽之间的下坠感。

我曾经了解这种无所适从。

是因为太突然了，大多数人会对例如团队解散、项目取消一类的事情感到“无所适从”。

下一步应该怎样做呢？

不知道啊。

就连亦舒小说中的女主角，在接到医院电话的时候也会想：戏剧真好，写一个情节，接下去就是一个转景，不用学习“接下来该怎样做”。

比如接到电话，就僵在那里了，应该怎样做呢？

戏里的孩子们想要逃离小镇，离开平庸的生活。

戏外的孩子们则通过不断地浸入戏剧，来实现他们对残酷人生的逃离。

戏里的人生，多么猎奇又多么刺激啊。

戏里的想和闺蜜成了杀人犯，神经质的想危险又富有魅力。

戏外的想是个人缘极好的女孩子，却也忍不住想要试探着超出规则之外。

“戏已经取消了。

” 对于这件事，她拒绝接受。

她在每一次与团队其他成员见面时，绕回戏本身；甚至在原定公演当日，冲破安保，站在台前奉献了真正属于舞台的演出。

她的拒绝，代表着她对于“青春渐逝，现实残酷”的拒绝与“逃离”。

冰淇淋是甜美梦境，雨声则是现实的噪音。

当然如果你愿意，雨声也可以是催人入眠的伴奏，冰淇淋则是带来满足的“毒药”。

虚幻与现实，安谧与诱惑。

红甘与想，在雨中走过拥挤的小巷，一路交谈走进剧场。

伴随着淅淅沥沥的雨，她们吃着棒冰。

一路走进剧场，梦的焦点。

剧院对人们而言，代表着什么？

对于现实生活着的人们而言，剧院就是一台造梦机。

有多少上班族，日夜加班，唯有在剧院的那一夜得以喘息，投身另一个精彩纷呈的世界；有多少戏剧制作者、演员，领着微薄的收入，只因为在舞台的释放能够燃烧真正的自我。

想和同伴们，躲过了安保，绕过了人群，偷偷来到后台，化了妆等待“开演”。

大幕拉开前，他们围成一圈为彼此打气。

我喜欢他们围成一圈的样子。

我记得4月看《罗密欧与朱丽叶》，每次开场前，那群人必然要在大幕后面这样打气。

看了十场，每次如此，让人觉得……他们有团魂？

这样说不知道是否合适，以我浅薄的理解可能确实如此了。

想和伙伴们，也是这样。

这大概就是年轻人应该有的样子。

大幕拉开，舞台呈现，镜头逐渐拉开，少男少女们在舞台上站成倔强的模样，不羁地凝视着前方。

是剧场，也是影院中的观众。

这样，它结束了。

将虚幻与现实揉碎，捏成好看的形状，调和一些不那么美妙，非常情绪化的音乐和唱词。

这，就是它了。

即便如愿公演，想和她的朋友们，最终要面对剧院外的雨声。

我和影城的观众在周六的上午，其中有一些人哭得像晒化了的冰淇淋。

电影结尾时，所有演员站在舞台前，面向观众，就像正式的春节联欢晚会结尾，那样告别。

如果你坐得足够靠前，画面中的前排座椅，会无缝衔接到现实中资料馆的座椅。

这种惬意突破次元壁与视角的时刻，实在是经典的电影高潮时刻。

但是，却被导演打断，画面中的演员结束谢幕，互相庆祝，脱离了戏中状态。

镜头也摇晃起来，介于一种废镜头与花絮间的状态。

或许这就是导演铺垫整场的“我对纯粹的电影和话剧不感兴趣，我关心的是介于两者之间的东西”，戏剧在谢幕后结束，电影在cut后告一段落。

但是不暗下来的废镜头画面却依然直播着演员们的生活，心愿得偿，获得认可，拥抱庆祝。

话剧结束后依然是表演，电影结束后依然有记录。

这种中间状态，需要发挥导演浪漫的人生观来寻找：吃着冰淇淋，便是你的电影高潮，听着雨声，就是你得到的掌声