局部第一季

如沐春风。

明明宅在了家里，却可以跟着去巴黎去纽约，去文艺复兴，去民国。

深入浅出，单集单题，有时候从年龄切入，有时从性别切入，有时从历史坐标切入，讲述一副画作和背后的故事。

有时候东西方纵横对比，中国被埋没的画家，其代表作在陈丹青看来，力道甚至强过毕加索。

又说毕加索若看了北魏壁画，定是眼珠子都会吓出來，佩服的五体投地。

又说梵高初学习作，粗糙中有着天才，如今艺考的学生习作，精致却无可救药……陈丹青会刻意挑选被主流忽视，但个人钟爱的遗珠，也不吝展示他在各派观点夹缝之中的困惑和纠结，反正听得是一愣一愣，但又兴味盎然。

《死亡的胜利》中提到，欧洲自古就喜欢描摹苦难，不管是耶稣受难，还是地狱饿鬼，或者尸横遍野。

而中国的传统绘画，极难想到对苦难的描绘。

都是山水城池，花鸟鱼虫。

大家不愿意去讨论那些，自古有之。

再看当下，也能理解民众在观影和看新闻时的潜意识选择。

《谁养艺术家》里说，欧洲在几百年的绘画历史中，在十九世纪之前，几乎所有的画作都是“订制”的，宫廷或者教会定制，画家都是接受委托创作。

没有谁是为自己画画的，都得听甲方的。

自认为画得再好，甲方说要改，就要乖乖改，哈哈哈哈，米开朗基罗也是如此。

而梵高为啥一幅画都卖不出去？

他的时代正是转型期，为自己画画本来就不多，没有谁给他订单，说请他画个向日葵或者星空。

梵高主动选择了按照自己兴趣来画，画完了没人买单，也非常正常。

这也算他潦倒的原因之一。

《非正式魅力》中，介绍了openwork的概念，就是在传统的精细的油画观念面前，那些印象派画作，都是“没画完”就拿出来丢人现眼的。

传统的画一般都得画几天几个月，你怎么能几个小时就涂抹完。

但思想一旦解放开来，传统的“完成度”的重要性就靠边站了。

艺术最重要的就是那个“意”，那个“状态”。

中国最顶级的书法，都不是碑帖，而是私信的草稿，一气呵成。

毕加索给一个贵妇画肖像，由于他风格诡谲，贵妇看完说：“这画得跟我不太像啊。

”毕加索说：“夫人，您会越长越像这幅画的。

”观看的意志：一部电影或者画，就看导演怎么诱导观众的目光。

我这么看这个场面，是要你也这么看。

个人的风格，他要说的意思，就通过这个观看出来了。

绘画的核心机密，有时候并不在画，至少不全在画，而且在这个画家怎么观看。

费里尼和卡帕齐奥跟徐扬一样，都热衷于次要讯息。

因为重要的不是故事，而是场景。

诱人的未必是情节，而且观看本身。

“你拒绝一件事，和你接受一件事，其实是一回事。

”——杜尚。

太喜欢了，以至于一直懊悔怎么现在才开始看。

陈丹青聊起艺术来，真就像一个亲切又博学的长辈在与你家中闲话，可这闲话的内容又是那么的恳切、谦和、有力度且妙语连珠。

在介绍梵高的一期节目里，陈丹青说他最喜欢的一幅梵高作品——梵高早期一幅未完成的海边男孩画。

下一期节目里，他又说，有人问他说了一整期也没有说为什么喜欢这幅画，他不知道如何回答，羞愧地想跳河。

他形容一幅画、一个画家的厉害，他说：“当看到这幅画的时候，就好像平生第一次看到绘画，从前的经验、知识通通不顶用了。

”他也说：“我惊呆了，久久说不出话来。

”看《局部》的时候，我也是惊呆了，说不出话来，也许是很久没有接受到这样有意思又有内容的电视节目了。

看完节目后，我买了《局部》的三本书，内容是节目的另一种呈现形式罢，希望闲来无事翻开，能再发现不一样的“局部”。

在视频泛滥的时代，想把艺术欣赏节目做出新意，已经不容易了。

很多名作，由于被过多拍摄和过度传播，已经令人产生视觉疲倦。

为了吸引观众，制作者不得不绞尽脑汁，或者杜撰花边奇闻，或者邀请当红演员助阵，以期制造耸动的效果。

这部《局部》却反其道而行之，删繁就简，一人一椅，面对镜头，不紧不慢，絮叨那些打动过他的画或雕塑。

镜头里的那个人，是陈丹青。

2004年，陈丹青因不满国内的美术教育招生制度愤而从清华美院辞职后，逐渐疏离公共媒体。

近年，他偶尔出现在窦文涛主持的《锵锵三人行》上，不料，去年，这档火爆的脱口秀节目也莫名停播了。

最近，看一篇微信介绍《局部》，说第2季有望今年年末播出，我才知道《局部》2015年出过第1季。

陈丹青是个画家，也是一个很会讲故事的人。

如果有一个这样的人做你的老师，你大概不会希望下课铃声响起吧。

陈丹青很喜欢梵高，连续在好几集里讲梵高，他说看到梵高早期学画时期的素描，心里想：“他妈的，这才是真正的绘画！

”而看很多美院考生的素描，他的感觉是：“看得我都想死”。

我搭同事Y的车，在回家的路上，给她讲这一段。

Y听得大笑，说：“为什么？

”我说：这就是问题所在，一个好老师很厉害的地方就在于能引发你的思考。

恰好我也很喜欢梵高，要我看，梵高的画自带动感，画中的一切都有一种呼之欲出的生命力。

照陈丹青的说法，梵高是个很憨的疯子，他笔下的人物都憨憨的，大巧若拙。

陈丹青展示了一幅梵高初学画时的作品，一个没有五官的渔夫，他讲了很久，也没讲清楚这幅画好在哪儿，他只是反复说就是喜欢这幅画。

说到底，一幅画是无法用语言完全描述出来的，语言和画的交集总是有限度。

陈丹青走过世界上很多地方，到过很多美术馆和博物馆，看过很多画家的原作，他讲他和这些作品相遇时的场景和感受。

看到《巴齐耶的画室》，他想到自己的年少岁月，最初特别想有一个画室，等到真的有一个画室，一帮朋友整日在画室里混，简直就是画中的样子。

巴齐耶画出了他内心的幸福时光。

他感叹自己度过那样的日子，却从没想过要画一幅这样的画。

女性如何看待女性的身体？

男性又如何看待男性的身体？

瓦拉东，是那个时代少有的女画家，她画中的女性裸体，更像自己的家人和朋友，在很私密的闺房中，在生活化的场景里。

而巴齐耶，在那个对同性交往讳莫如深的时代，画笔下的男性裸体，看起来是那么的健康和自然。

观众喜欢陈丹青的讲解，说他视角独特，我倒觉得他在做一件回归常识的事，他让人们意识到一个事实：只要你是一个活着的人，只要你有感情，有一双眼睛，就可以去欣赏那些陈列在博物馆的艺术品。

而有很多专家，实在是把艺术欣赏弄得太复杂了。

《局部》第1季第1集，讲的是《千里江山图》，我看过一篇文章，作者在这幅画上做了非常详细的标注，说明哪个部分代表祖国的哪座山、哪座关隘。

我看了，倒吸一口凉气，觉得自己是个不配看这幅画的白痴，我真的看不出来，一幅抽象的青绿山水画，怎么就能代表具体的地址呢？

陈丹青的讲解就不那么吓人。

他说，这幅画的气魄很大，把每一部分放大，局部也能自成一景，处处好看。

他还特别提到这幅画的作者王希孟只有18岁，唯有年轻人才能对这个世界有着这么大的好奇，才能有这么大的胆量和自信，画出如此大气又精细的作品。

陈丹青说，他做这个节目完全是想到哪里讲到哪里，一集讲完就不知道下一集该讲什么。

但，他手里也是拿讲稿的，而且这个讲稿还被整理出版了，书名是《陌生的经验 陈丹青艺术讲稿》。

所以，有理由相信，他的讲解也并非完全随意，他也是做了一些功课的。

我注意到，陈丹青在讲解一个艺术家时，经常会联系到另外一个绘画主题相似的艺术家，一般都是一个中国艺术家对比一个外国艺术家。

比如，专画穷苦人，中国有王式廓，德国有珂勒惠支；反战题材画，中国有蒋兆和的《爸爸永不回来了》、《流民图》，西班牙有毕加索的《格尔尼卡》；注重场景和细节，中国有清代宫廷画家徐扬，意大利威尼斯有卡帕齐奥；等等。

《局部》第1季以杜尚为结尾。

以前，我不能理解这个拿着小便池去参展的艺术家何以能获得那么大的声誉。

现在我明白了，杜尚身体力行的自由精神为后世的艺术家打开了无数条路，举着反传统、反权威的大旗，各种“作”就可以名正言顺了。

有人问晚年的杜尚还画画吗，杜尚答“不会”，又随口说“你又不欠社会一张画”。

是的，画画不能成为对生命的要求和束缚，既成的艺术准则也不应成为艺术家身上的枷锁。

不过，话虽如此说，并不代表我喜欢杜尚的小便池。

我只是惊悟：如果人能够自觉对既定的社会准则保持警惕，审美就不可能变得整齐划一，思想亦如是。

第一季第一集 王希孟 《千里江山图》第二集 布法马可 《死亡的胜利》《地狱》“可是艺术顶顶要紧的，不是知识，不是熟练，不是咱们现在说的所谓文化教养，而是直觉，而是本能，而是那种最最新鲜的感受力。

”“因为我们中国的绘画文化、绘画传统，是《千里江山图》，不是《死亡的胜利》。

”第三集 蒋兆和 《流民图》“可是孟德斯鸠说过一句话：人在苦难中才更像一个人。

”“大家想想看，这是一个受难的民族，一个战胜国对待《流民图》的态度，这幅问世于沦陷时代的创作，日本敌国怎样憎恨不去说了，胜利后，《流民图》在本国还是遭遇憎惧，权力的意志让这幅画辗转于高层的毒语和封尘的库房，《流民图》中的流民像鬼魂一样流进蒋先生的画里，结果这幅画也像鬼魂一样，在胜利后的岁月背负罪名、差点被销毁，这才是真的灾难，而且是难以战胜的灾难。

”第四集 文森特·梵高 《杏花》《吃土豆的人》在荷兰初学画时的早期作品 憨人梵高 大巧若拙 画穷苦人的对比 德国珂罗惠支的《暴乱》 中国王式廓的《血衣》第五集 巴齐耶 《画室》《粉红色连衣裙》《家庭团聚》《夏日》第六七八集 文森特·梵高 《海边的渔夫》谁养艺术家、绘画的放纵、非正式魅力。

画家从巫师、到宫廷画师、到“self-employ”。

7以前画家的宫廷订件和印象派画家的自由创作。

锡管颜料的诞生让印象派随时随地作画得以实现。

一起写生的毕沙罗和塞尚的画作的对比，毕沙罗尽量完成，而塞尚每幅画都没有完成，“打开的作品openwork”。

8“毕加索说过另外一句话，他说希腊人，罗马人，文艺复兴人，在那画画都有一个规则，可是到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳。

”“（吴作人）他说你们要知道，什么时候停下来，要知道画，也要知道不画。

”晚年的德加眼睛不太看得见了，就做点雕塑，也喜欢写十四行诗，写完之后就给他的诗人朋友马拉美看。

“他说，哎呀，我心里还有很多意象，没有写出来，结果马拉美对他说，亲爱的，诗不是意象，是字和词。

德加是非常刻薄的一个人，也非常会说话，可是听到这句话，他说，我在你面前丢丑了。

”“碑不如告，告不如书。

石刻的碑文不如墨写的文件，墨写的文件不如私信的草稿。

”“但我要提醒大家，所谓未完成，所谓打开的作品，是一个早就过时的命题，早就过时的革命，但所有革命啊，遗患无穷，除了若干天才，自从印象派闹了这么一场之后，全世界千千万万画家就猖狂起来，画了不知道多少糊涂乱抹未完成的画。

那么‘尽其妙也’也是一句漂亮话，漂亮话也是遗患无穷的。

”第九集 瓦拉东母子：苏珊娜·瓦拉东、莫里斯·尤特里罗她是第一个提供了女性视角的女裸体和男裸体的画家。

第十集 关紫兰《少女像》 丘堤《静物之一》《平湖秋月》“（关紫兰）她下笔的胆气，和瓦拉东有一拼，而且是纯然的天生，你比起刘海粟那种胆气那种霸悍，她一点不是造作的，一点不是刻意的”“（丘堤）她的静物画，以我所见，我愿意说是中国第一。

好在哪里呢，同样是画花、瓶子、衬布，她知道避俗，出手非常简静，她的画不比瓦拉东好，但是比瓦拉东高。

第二，就是她的素心。

第三就是见物性，物性又分两层，一个就是她画的那些东西，就是不修饰，不渲染，是物体的恰如其分，也是她对物体的敬意和爱意，另外一层呢，就是材料的物性，就是颜料和笔，丘先生敷色、行笔、起止、收束，她始终都是不温不火，到处都是浓淡得宜，这很难做到的，不光是本事，就所谓温良恭俭让入了画，就是丘先生这种境界。

第四呢，当然她也是非常民国的气息，自发，自在，自主，自适，而且自尊。

”第十一集 徐扬 《乾隆南巡图》第十二集 卡帕齐奥《朝圣前的典礼》讯息与景别影像介入大量次要讯息 意大利导演费里尼《八部半》 贝托鲁奇《1900年》《同流者》塔可夫斯基 《牺牲》 景别运用“一部电影，一幅画，其实是看导演和画家，怎样诱导观众的目光，我这么看这个场面，是要你也这么看，然后个人的风格，他要说的意思，就通过这个观看出来了，这个是视觉艺术的命根子。

”“但是这两位天才（卡帕齐奥和费里尼）的影像和画面，我又要说，和徐扬还有点接近，就是热衷于次要的信息，为什么呢，因为重要的不是故事，而是场景，诱人的未必是情节，而是观看本身。

”第十三集 苏里科夫《近卫兵临刑的早晨》《女贵族莫洛卓娃》 列宾《伊凡雷帝》《查波罗什人复信土耳其苏丹王》苏里科夫做到了油画民族化“西方对俄罗斯的文学和音乐高度重视，但是到今天为止，他们仍然坚持，对俄罗斯的绘画无知，至少，好像不想有知。

”“陀思妥耶夫斯基说过一句话：在亚洲，我们是欧洲人，在欧洲，我们是亚洲人。

”“西方对俄罗斯绘画的批评，通常是指，不是纯绘画，这种绘画是一种文学的附庸，我认同的，但我心里不服。

欧美极少数艺术家和学者知道苏里科夫和列宾，正好今年上半年，我和一位英国的老学者谈起俄罗斯的委屈，他也蛮同意，但他说西方人可能有两个词批评俄罗斯绘画，一个就是narrative，就是叙述性的绘画，还有一个就是sentimental，太伤感主义，我也认同的......但我还是不服，整个文艺复兴的绘画，就是《圣经》的附庸，是《新/旧约》的图解。

”（俄罗斯也是我的少年情结啊 片尾《山楂树》一响起来就眼睛酸）第十四集 弗拉·安吉里柯 《耶稣受难》《嘲弄耶稣》《三博士的朝拜》Angelico类似一个外号 意文 天使般的“你到了这里面，你不单是安静下来，而且一切到此为止，你的家，你的国，你过去的记忆，全都消失了，有一点点像电脑死机的样子。

同时呢，一切就开始了，你会自然而然地心里面有一念，就是万事罢休，从此静心修道，你会有这么一个念头。

你面对的是空荡荡的四壁，只有耶稣和圣徒陪着你，准确地说，其实就是你跟安吉里柯面对面，此外什么也没有。

”“13世纪中叶之后，整个14世纪，还有15世纪的上半，事情很有意思了，这两百年的宗教画，人性，神性，你用不着分的，你也很难分开，你瞧见神性的地方，就是人性，你被人性感动了，你会发现那个是神性。

......都说文艺复兴是欧洲人的黎明，在佛罗伦萨，在圣马可教堂的二楼，在一间一间小禅房里面，就在窗户旁边，那个安吉里柯的湿壁画，你会看见，什么是黎明的曙光。

”第十五集 菲罗马可斯（Phyromachos）《巨人的战役》 古希腊派格蒙祭坛雕塑鲁迅 《“题未定”草》“鲁迅很讨厌，读到他（朱光潜）这篇文章，他就出来跟他叫板，煞风景。

鲁迅举了古希腊雕塑和陶渊明的一些例子，说他们并不会全然是静穆，他们还有别的境界。

”“照马克思的说法，古希腊是人类的儿童时代。

”第十六集 马塞尔·杜尚 《下楼的裸女》《泉》《L.H.O.O.Q》《杜尚的盒子》被艺术耽误的职业棋手达达主义 超现实主义玛瑞娜·阿布拉莫维奇《艺术家在现场》 跟乌莱对视那幕堪比电影场景“即使在欧美，说起艺术，还是指绘画和雕刻的意思。

杜尚机警，一百多年前他就想，除了绘画和雕刻之外，艺术还有没有别的可能，他想重新定义艺术这个词，他做到了。

”“上次说到所谓前卫，就是事情做得太早，历史看不懂，也看不见，印象派小子很苦，等于在前线，直接跟沙龙、跟公众、跟旧势力斗。

马塞尔·杜尚的前卫啊，笑眯眯地躲着，稍微弄几下子，他不声张。

”“晚年他说，他重视呼吸胜于一切。

”“站在绘画的立场上，当然会说，塞尚去世的那一年，1906年，是现代艺术的起点......那么，你以非绘画的立场，我以为，应该算是杜尚放弃画画的1912年起算。

”

01：《千里江山图》王希孟，十八岁永不可得，“这是上帝叫他作的这副画”。

02：《死亡的胜利》布法马可，年轻，稚气，元气淋漓，文化差异带来的不同的主题传递。

03：《人民的胜利》，蒋兆和《流民图》，苦难的历史不能被遗忘，国内的现实主义画家岂止一句惨能形容，是我们的历史有问题，是我们的错。

04：《初习的作品》，是很偏执的艺术家看艺术家的故事，梵高的油画，尤以自画像系列看到了就会难受，从心里的抵触，个人意识好强。

05：《巴黎的青年》，巴齐耶的画真的很让人有静心的感觉，还挺乌托邦的，美好本身就是意义。

06：《谁养艺术家》：保罗•杜朗•卢埃尔07：《绘画的放纵》08：《非正式魅力》：自己做自己的太阳吧。

弗洛伊德活该是个艺术家。

09：《瓦拉东母子》：女性的目光是不同的，女人对女人才最为贴切。

10：《名国女画家》关紫兰，丘堤，是中国女子，是含蓄不失锋芒的大家闺秀。

“就是梵高这幅这么小的画，我觉得他好，可是我又说不出它为什么好。

我就想，观众可能会问：‘你等一等，你都不知道它怎么好，凭什么说他好？

’这个问题是对的。

我听到这种问题我就想跳河，就想跳楼、投河。

问题是你跳楼、投河，你也说不清这个道理。

我知道人喜欢有个答案，有了答案呢心里就安全，就放心。

可我的脾气是不在乎答案，我喜欢找问题。

“ 这段话的理解绝不应当是像热评中所说的那样鲁莽，试图通过权威对自我鉴赏能力的缺失进行洗白，这是到了一定专业境界后或是艺术感知力较强的人才能够讲的话。

只能说唯一很确定的是，这是一个习惯简化的，习惯提升又不喜欢卖弄的人习惯讲的话。

很客观的说，我多数时候也会有这种感觉，尤其是在阅片量偏低，并没有补充理论知识的前几年。

毕竟“看电影”这项运动，只占我目前为止人生的18分之2。

但学的越多之后发现好像蛮多东西都是有解的，即使记忆点和打动点却有时很不讲理。

我除非费尽心思去琢磨，为了答案而寻求答案，不然我还是讲不出来一句半句，甚至连感觉都无法描述。

我最自然的表达是像旁观者一般对我眼中所看到的这个作品，进行一番装作公平的评判。

这种答案，我一直认为假如可以再学习进展，将来会是极佳的。

听者也可以从里面，间接看出我的所谓三观和审美趣味。

可好像听我说话的人或比较权威，更多是比较懒。

他们没有细品的可能，只想你把最原始的东西、感情直接的呈现出来，且要适合听众的口味，还不能夸大做作。

我好像一直学不会这种做派，还是说我一直不想屈从于这种直给的“肤浅”。

既然生理基础决定人类有大脑会思考，那么为什么非要在某些场合进行退化，或是自我降级。

当我发觉了这种隔阂后，每当别人突击问我牵连到自我情感感受类的问题，我就会习惯躲闪，（立场问题不会，除非刻意隐瞒，或是实在不了解并不想鲁莽判断。

）因为众口难调，不能满足大部分人的答案，即使一再强调主观也是罪恶的。

或者说，我不想显得那么“自作多情”。

这不应该是个一边倒的问题，不应该过于绝对，这会直接牵扯到生活体验。

大家名人可以这样讲，但无名氏不能，这有些不公平，现状就是这样。

我已经饱受抑制情感表达习惯所带来的不公，以及任性随意所带来的后悔，我很想这么讲话。

所以眼下为了将来能够如此讲话，我亦开始找寻答案。

说实话，我不知道这算喜新厌旧吗。

纯感知事物在找到答案后，大几率魅力不再。

就像没有人会再复习1+1=2。

作为工业化生产出来的学生，真的没能力也不配欣赏梵高的作品。

从前一直认为线条流畅，画面完整才是一幅好的作品，但是陈丹青老师说，如果梵高在现代永远都画不到这样的水平，我们现在所追求的艺术之美也许只是复制粘贴型的审美。

这样的作品缺乏独特性风格，但我们在初期艺术教育机构里就明确的被告之如何画才是美，才能被录取，这样的教育方式是否本身就与艺术的初衷相悖？

这一年，一门心思想成为代表性画家的杜尚参加了立体派的展览，潜心创造了著名的油画《下楼的裸女》，其实这幅画的动感非常有韵律感，只是对于评委而言这个作品就完全是不符合他们的审美，他们要求杜尚更改作品，杜尚没想到自诩倡导自由的先锋派竟然也 说是立体主义的极端表现。

原创/小孙字典没输字幸好杜尚没有人云亦云，他凭着自己独立思考的能力，思想和情感没有受到群体的感染，变得颓唐和放弃。

之后他凭着《泉》和独白成为了当代艺术的传奇，他又彻底颠覆了传统，神秘的蒙娜丽莎加了胡子后变成《L.H.O.O.Q》。

原创/小孙字典没输字杜尚抱着玩的态度去工作和享受人生，他一边创作艺术，一边沉醉下棋，顺便结识了一批狂热的国际象棋爱好者，国际象棋夺走了他全部的注意力，甚至一度对画画的兴趣也淡漠许多。

也许在他下棋博弈的时候获得了难得的宁静，完全没有对艺术品的嘈杂评论。

原创/小孙字典没输字杜尚在颠覆性的艺术行为中宣泄了他的人生态度，抨击了传统的西方艺术内涵，也颠覆了观众对艺术的认知。

他的一生也像自己的艺术充满着荒诞的黑色与有趣的灰色。

看陈丹青录制的《局部》，从头至尾就一个感想：无可奈何。

艺术这玩意，真的是无可奈何的事情，你不懂审美，不会欣赏，不得其门而入，那就是一点办法也没有，学也学不会的。

艺术观赏，本是一项极端个体化，私密化的体验，这种体验发乎本能，出乎直觉，用语言文字是几乎无法表述与传递的，只能在自己心里憋着。

说马蒂斯毕加索好——好在哪里？

洋洋洒洒，长篇累牍地解释这二者的好处，舌敝唇焦，结果必是煞费苦心，听者读者仍是不明所以；同理，勋伯格的音乐，有些人奉若天籁，另一些人则视之为噪音。

在艺术面前，感官永远压制住了语言。

语言是苍白疲乏的，任何一种语言都无法精确描述出一件伟大的艺术品其究竟伟大在何处。

当然，学者们可以通过专业领域的考察来论证其历史，学术以及社会价值，但若从审美的角度出发，这一切则是不可言说的。

在适当的时候，在某个特殊的片刻，语言是可以被取缔的。

文学，哲学，科学都需要语言，但是艺术不需要。

当我们废置了语言，我们便进入了艺术。

1 千里江山图王希孟，千里江山图18岁的天才不要小瞧年轻人唱诗班，那种全神贯注，那种精密和神圣感，是少年人和童子最珍贵的一切。

东晋和隋唐是中国绘画的胚胎萌芽期。

5代时期山水画格局扩大。

千里江山图非常的开阔。

每一个局部都可以是一幅画。

通常成年的老熟的大师，喜欢做减法。

也就是所谓的取舍和概括。

而18岁英年的王希孟忙着做加法，人在18岁的年龄才会有这股子雄心和细心。

一点不乱，不枝蔓，不繁杂，通篇贵气，清秀逼人。

降生于中国山水画的黄金时代。

18岁干的事多半是不自知的。

清明上河图是世俗繁华的史诗。

千里江山图是锦绣河山的颂唱。

东晋顾恺之洛神赋图。

隋朝。

展子虔 游春图。

唐朝李思训李昭道父子。

李思训，江山楼阁图。

李昭道明皇幸蜀图。

五代。

董源，巨然，荆浩，关仝董源，潇湘图卷，龙宿郊民图。

巨然溪山兰花图。

荆浩，匡庐图。

五代李成 晴峦萧寺图。

北宋刘李 江山小景。

马 踏歌图夏圭 溪山清远图元代王振鹏江山揽胜图。

2 死亡的胜利早期的作品两个历史任务开创力与新工具早期的作品都很简单，但是生猛。

都很幼稚，但是天真。

都难免粗糙，但是精力饱满。

艺术顶顶要紧的不是知识，不是熟练。

不是我们现在说的所谓文化教养。

而是直觉而是本能而是那种最最新鲜的感受力。

我甚至觉得就是一种可贵的无知。

可惜我们常常看不起早期作品。

总是盯住盛期的那些著名作品看来看去。

北魏时期的敦煌壁画，文艺复兴早期的绘画博纳米科·布法马可14世纪，乔托的晚期，明早期死亡的胜利。

地狱。

死亡的胜利完成后的几十年发生了黑死病疫情过去后，人们偶然的发现了那幅画大为震惊，就在那幅画旁边狂欢。

你熟悉一个画家，突然有一天站在他的画的面前，那是一种大快乐。

你完全不知道一个画家。

也完全不了解这幅画，忽然给你撞见了。

我觉得更是一种大快乐大惊喜。

好好保留自己的孩子气。

欧洲的湿壁画。

充满了包浆，颜色剥落，岁月的苍茫感。

戈佐里 《博士来拜》位于梅第奇宫的小告解室，是文艺复兴壁画的一个符号。

二战时期轰炸了画了最后晚餐的那个教堂，但是画了最后晚餐的那堵墙，完好无损地立在哪里，而周围一片废墟。

乔托·迪·邦多纳。

安杰利科·马萨乔。

弗兰切斯卡菲利波诺·利皮。

多梅尼哥·基尔兰达约。

戈佐里薄伽丘 十日谈。

3 人民的胜利无论你胜利也好，失败也好，战争最最真实的结果就是无数家庭破碎了。

面对战争不同的立场，国家、民族、个人。

蒋兆和，人道主义画家。

代表作流民图。

大部分青年不喜欢看苦难片。

中国伟大的绘画传统是千里江山，不是死亡苦难。

风车小屋的舞会。

皮埃尔.奥古斯特.雷诺阿。

你会感动于描述苦难的经典，但很难被幸福的画面所感染。

流民图，1943年完成，展览后被日本人没收，53年时在一个仓库中找到，霉烂，半截已经没了，原作30米长。

文革时被定性为反共卖国的大毒草，差点被销毁，文革后又奇迹般地从仓库中找到。

1979年，中央美院报请文化部批准，被认为是爱国主义的现实主义作品。

蒋兆和暮年将其捐给政府，现展览于中国美术馆。

这是一个战胜国对待流民图的态度，憎惧有对日的憎恨，但是不敢面对难民对比格尔尼卡，同样是描绘难民，但是待遇完全不同。

要学会正视苦难4 初学的作品憨，惊讶他有时候这么细，这么聪明憨是一个非常包容，深层的性格难以觉察的内秀中国美术学院，巧手，死路一条？

5 巴黎的青年奥赛美术馆这幅画配的镜框，这个镜框挂在什么房间，这个房间在什么建筑里，这个建筑在什么街道和什么城市里面，一切的一切都会决定这幅画的文化气息展厅还原文物的年代和文化背景。

每一种艺术都有它的诞生时代氛围与文化土壤，一去不复返很少有人能够捕获到那一闪而过的灵光巴齐耶，组织群像，造型，光影6 谁养艺术家印象派在当时是前卫艺术，不被人认可那么现在的各种前卫艺术？？

古代多数的艺术品都是定件，是交易，很少未画完，很少为自己画现代文明，富裕家庭超多，需求变多，画家开始画完后等待客户来买，不仅仅是定件。

画廊画家开始由着自己的性子来梵高，海边的小男孩提香，裸女画哈尔斯，琵琶演奏者安格尔，《让·皮埃尔·吉尔伯特肖像》莫奈，妻子凯米莉和儿子7 未完成的绘画未完成，不完美，有一部在那，非常有意思印象派，光线，色彩，户外，当场画完，不像古典主义一幅画慢慢琢磨，个把月讲究的是才能，经验，状态笔触，颜料，涂抹，覆盖，本身就是美感，不仅仅是为了画出那个要画的对象绘画自由，媒材。

我画的是画一幅画怎样才算画完，印象派提出的问题一幅画可以无穷无尽地画下去。

前卫艺术家，活在未来，现在不可避免要受委屈。

品味的转变需要几代人塞尚的画通常都是没有画完的，颜料没涂满，还能看到铅笔稿，因为他根本不在乎画完这个概念，永远处于打开的状态。

均衡一幅画，配了框子，挂墙上就死掉了。

没有挂上墙，还能无穷无尽地画下去8非正式的魅力你这幅画画的和我不太像？

太太，你会慢慢的像这幅画。

毕加索每幅画最近完成时，最拿不准的事情，就是他该不该罢手。

他没办法对自己确定这幅画画完了。

希腊人，罗马人，文艺复兴人，都有个规则在那画画，到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳。

文人画，态度，绘画中的一切都是假的，不要把绘画当真，你画这幅画的心情要比这幅画重要，无所谓画完不画完，逸笔草草，恰到好处，无穷无尽的一个享受，一个高级的游戏。

高贵的闲人，把生活态度生活方式带进了绘画中。

所有的的非正式，未完成，都属于天才。

普通人的只是拙劣